Nothing

"Nothing" (Nada) é um filme do realizador Vincenzo Natali de 2003 que trata a história de duas personagens , Andrew e Dave, que vivem cheios de problemas. Um dia quando o mundo lhes está a desabar em cima das cabeças desaparecem para o mundo do nada…

Nada mais a dizer...

"Nothing" is a film from director Vincenzo Natali, 2003, which tells the story of two characters, Andrew and Dave, who are full of problems. One day when the world is collapsing over their heads, they disappear into the world of nothing ...

Nothing more to say...

Mary and Max

Mary and Max (2009) é um filme em stop motion, de Adam Elliot, sobre uma amizade, construída através da troca de cartas ao longo de dezoito anos, entre uma rapariga de oito anos, que vive na Austrália, e um homem que vive em Nova Iorque. Através das cartas que os personagens trocam entre si, sem nunca se conhecerem pessoalmente, o filme relata-nos episódios das vidas destes de ambos (recheadas de situações bizarras), Mary Daisy Dinkle e Max Jerry Horowitz, que têm em comum, para além de uma obsessão por chocolate e por uma série de televisão chamada nobblets, a sua solidão e dificuldade de adaptação ao mundo. Esta é sobretudo a história de uma profunda amizade entre duas pessoas que, apesar da distância e das diferenças que as separam, encontram uma forma de iluminar a vida um do outro.

 Mary and Max é um filme de animação para adultos, que lida com questões profundas de forma sensível e com sentido de humor, ora negro ora adorável mas sempre certeiro. A nível visual, é de destacar a atenção dada aos detalhes da construção dos personagens e dos cenários, bem como a opção do realizador em relação às cores do “mundo” de cada um dos dois protagonistas (tons castanhos para Mary e tons cinzentos para Max) que estão entre os pormenores que contribuem para tornar este filme uma experiencia singular.

Mary and Max (2009) is a stop motion film, by Adam Elliot, about a friendship built through the exchange of letters  in the course of eighteen years, between a girl of eight, who lives in Australia, and a man who lives in New York. Through the letters the characters send to each other, never meeting personally, the film tells us about their lives  (filled with bizarre situations), Mary and Max Daisy Dinkle and Jerry Horowitz, who have in common, apart from an obsession with chocolate and with a television series called nobblets, their loneliness and difficulty in adapting to the world. This is mainly the story of a deep friendship between two people who, despite the distance and the differences that separate them, find a way to illuminate the life of each other.
 Mary and Max is an animated film for adults that deals with deep issues in a sensitive way and with a sense of humor, sometimes dark, sometimes lovely but always accurate. Visually, it is worth noting the attention paid to construction details of the characters and scenarios, as well as the option of the director in relation to the colors of the "world" of each of the two protagonists (browns to Mary and gray tones to Max ) that are among the details that contribute to make this film a unique experience.

The Acid House

The Acid House (1998) é uma adaptação para filme de um livro de contos com o mesmo nome de Irvine Welsh. A película, realizada por Paul McGuigan, dramatiza três dos contos do livro de Welsh e o próprio escritor fez o argumento.

Os três segmentos são The Granton Star Cause, A Soft Touch e The Acid House. Irvine Welsh é um escritor aclamado e por vezes controverso conhecido principalmente pela sua obra Trainspotting. Para quem já leu livros deste autor ou para quem viu o Trainspotting em filme e gostou, The Acid House é um bom filme para se ver.

P.S.: Espero que o Porno, a sequela do Trainspotting, seja realmente adaptada ao cinema, como alguns boatos dizem.

The Acid House (1998) is a film adaptation of a book of short stories with the same name by Irvine Welsh. The film, made by Paul McGuigan, dramatizes three stories from the book of Welsh and the writer himself made the argument.
The three segments are The Granton Star Cause, A Soft Touch and The Acid House. Irvine Welsh is an acclaimed and sometimes controversial best known for his work Trainspotting. For those who've read books by this author or who saw the film Trainspotting and liked, The Acid House is a good movie to see.

PS: I hope that Porno, the sequel to Trainspotting, is really going to be turned into a movie, as some rumors say.

The Velvet Underground & Nico

E como não podia deixar de ser, mais cedo ou mais tarde… o álbum da banana, The Velvet Underground & Nico (1967) … Um falhanço comercial que acabou por se tornar num dos álbuns mais influentes da história do rock (nas palavras de Brian Eno, na altura, poucas pessoas o compraram, mas quem o fez acabou por formar bandas que se tornaram famosas).A emblemática capa é assinada por Andy Warhol, o manager da banda e produtor (no sentido financeiro) desta verdadeira obra-prima. Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison e Maureen "Moe" Tucker, com a participação especial de Nico, desafiam as fronteiras entre música popular e de vanguarda, criando um som totalmente diferente do que estava “na moda” no final dos anos 60. O resultado é o “dark side” do movimento hippie, o negativo das bandas “peace and love”. Letras niilistas, inspiradas em autores como Burroughs e Ginsberg, e um som completamente esmagador e hipnotizante.

It had to ...be sooner or later ... the banana album, The Velvet Underground & Nico (1967) ... A commercial flop that turned out to be one of the most influential albums in rock history (in the words of Brian Eno: at the time, few people bought it, but who did it formed bands that became famous).

The iconic cover by Andy Warhol, the band's manager and producer (in the financial sense) of this masterpiece. Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison and Maureen "Moe" Tucker, with the special participation of Nico, challenge the boundaries between popular music and avant-garde, creating a completely different sound from what was fashionable in the late 60's.The result is the "dark side" of the hippie movement, the negative of "peace and love" bands. Nihilistic lyrics, inspired by writers like Burroughs and Ginsberg, and a completely overwhelming and mesmerizing sound.

Suicídio Encomendado

“Imagine-se em casa… O telefone toca, tentam-lhe vender alguma coisa, são os chatos do costume… Só que desta vez, vendem-lhe um suicídio, o seu suicídio encomendado. Foi o que aconteceu a Luís Tinoco, um jovem com cerca de trinta anos e que já tinha pensado em morrer. Trata-se de uma personagem carismática, com uma infância bizarra e que actualmente não consegue viver feliz. Tinoco compra o seu próprio suicídio, preparado e elaborado de forma condizente com o motivo pelo qual deseja morrer: Amor. “

Suicídio Encomendado é uma comédia muito negra, bizarra, que nos faz rir de desconforto. A sinopse acima demonstra a essência de um bom filme português, do realizador Artur Serra Araújo. É pena que filmes portugueses com esta qualidade não sejam tão difundidos como outros que ...enfim. Os meios para este filme podem não ser os mesmos que as “grandes produções” portuguesas têm e o elenco pode não ser o melhor que Portugal tem para oferecer mas esta longa vale por si. Viva o Tinoco!

"Imagine yourself at home ... The phone rings, trying to sell you something, the usual boring ... Only this time, they sell you a suicide, your own suicide. That's what happened to Luis Tinoco, a young man about thirty years who had a thought about dying. This is a charismatic character with a bizarre childhood and now can not live happily. Tinoco purchase his own suicide, prepared and designed in a way consistent with the reason he wants to die: Love. "
Suicidio Encomendado is a very black comedy, bizarre, which makes us laugh at discomfort.The synopsis above shows the essence of a good Portuguese film, directed by Artur Serra Araújo. It is unfortunate that Portuguese films with this quality are not as widespread as others that ... well. The means for this movie may not be the same as the "great products" have a date with the cast may not be the best that Portugal has to offer, but this long valley itself. Viva Tinoco!

The United States of America

Formados em 1967 por Joseph Bird, juntamente com Dorothy Moskowitz (vocalista principal), Gordon Marron, Rand Forbes e Craig Woodson, os United States of America são uma banda de rock psicadélico de Los Angeles, pioneira da electrónica no rock. O seu único álbum (The United States of America) foi lançado em 1968 e reeditado em 2004 com várias músicas de bónus. Os aspectos mais curiosos desta banda são o facto de não terem um guitarrista e de utilizarem bastantes sons e técnicas electrónicas, apesar das limitações da época neste campo. O seu som é bastante experimental e ao mesmo tempo com uma sensibilidade pop certeira, alternando músicas calmas e oníricas com outras mais frenéticas e pesadas, fazendo por vezes lembrar os seus contemporâneos Jefferson Airplane. As letras do álbum têm uma dimensão satírica de crítica política e social, assim como o nome da banda que foi escolhido em tom de protesto.

“Contagiante” é um bom adjectivo para descrever esta colecção de músicas belíssimas que ficam a ecoar na cabeça como um sonho do qual não se quer acordar.

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Formed in 1967 by Joseph Bird, along with Dorothy Moskowitz (lead singer), Gordon Marron, Rand Forbes and Craig Woodson, the United States of America are a psychedelic rock band from Los Angeles, and a pioneer of electronic rock. Their only album (The United States of America) was launched in 1968 and reissued in 2004 with several bonus tracks. The most interesting aspects of this band are the fact of not having a guitar and use plenty of electronic sounds and techniques, despite the limitations of the time in this field. Their sound is very experimental and at the same time with an unerring pop sensibility, alternating calm and dreamy music with other more frantic  and heavy, reminding sometimes his contemporaries Jefferson Airplane. The album's lyrics have a dimension of satirical political and social criticism, as well as the band's name that was chosen in a tone of protest."Addictive" is a good adjective to describe this collection of beautiful songs that echoe in our heads like a dream from which you do not want to wake up.

Lost

"Previously on Lost…”

Este post vem já um pouco atrasado mas ainda há tempo… Há sempre tempo para falar daquela que para mim (realço o “para mim”) é uma das melhores séries de todos os tempos.
Lost ("Perdidos" em Portugal) é uma série dramática que segue a vida dos sobreviventes de um acidente de avião, o voo 815. No início da série pensámos que o que daria fôlego à acção seria simplesmente o drama da sobrevivência numa ilha (talvez deserta) mas logo no fim do primeiro episódio temos a primeira pista de que a série será muito mais que isso. A evolução das personagens é enorme e só agora começamos a perceber o porquê de muitas coisas….
Lost é uma série que tem que ser vista do início ao fim ou perder-nos-emos na história, e com a frustração de deixar de perceber a história, paramos de ver. Lost é uma série em que cada episódio tem que ser seguido religiosamente, sem perder nenhum episódio e sem pausas para casa de banho durante o episódio. É uma série em que se perdemos um segundo, e esse for o segundo errado, perdemo-nos na ilha e nos acontecimentos. É uma série em que os pormenores que mais passam ao lado se tornam mais importantes.
Começou há cerca de três semanas aquela que será a última temporada…
Todos os Losties (incluindo eu) estão em pulgas para ver o que o último episódio nos revelará. Tantas perguntas, tantos mistérios… Tão poucas respostas…
Esperaremos pelo dia 23 de Maio de 2010 para vermos o que acontece ao Jack, Hurley, Sawyer, Kate, Jin, Sun, Sayid e… Locke (?).

"Previously on Lost ..."

This post comes a bit late now but there is still time ... There's always time to talk about a series that to me (I stress the " to me") is one of the best series of all time.
Lost is a drama series that follows the lives of survivors of a plane crash, flight 815. At the beginning of the series we thought that what would give impetus to the action would be simply the drama of survival on an island (maybe empty) but soon on the first episode we have the first clue that the series will be much more than that. The evolution of characters is huge and only now we are beginning to understand the why of many things ....
Lost is a series that has to be seen from start to finish or we will get lost in the story, and the frustration of failing to perceive the story, we will stop to see it. Lost is a series where each episode has to be followed religiously, without losing any episode and without breaks for bathroom during the episode. It is a series where if we lost a second, and this is the second wrong, we got lost on the island and in the events. It is a series in which the details that go alongside become the most important.
It has began about three weeks ago that which will be the last season ...
All the Losties (including me) are waiting to see what the last episode will reveal. So many questions, so many mysteries ... so few answers ...
We will wait for 23 May 2010 to see what happens to Jack, Hurley, Sawyer, Kate, Jin, Sun, Sayid and ... Locke(?).

Maya Deren (1917-61)

“The task of cinema or any art form is not to translate hidden messages of the unconscious soul into art but to experiment with the effects contemporary technical devices have on nerves, minds or souls”

Cineasta, teórica do cinema, dançarina, cenógrafa, escritora e fotógrafa, Eleanora Derenkovskaya, nascida no ano de 1917, é uma das figuras mais marcantes do chamado cinema experimental. Formada em jornalismo e ciência política, interessou-se desde cedo pelo cinema, mas realizou o seu primeiro filme, Meshes of the Afternoon, apenas em 1943 em conjunto com o seu segundo marido, Alexander Hammid. Nos anos posteriores, Maya Deren desenvolveu diversos trabalhos, quase sempre em formato de curta-metragem, como At Land (1944) e Ritual in Transfigures Times (1946), tendo como marca própria a exploração das possibilidades da montagem na percepção do tempo e do movimento, bem como uma atmosfera ritualista e onírica.

Para além da influência estilística que os seus filmes tiveram ao longo da história do cinema (David Lynch é um exemplo), marcaram também pelo carácter independente, que punha em prática a sua posição teórica em relação ao monopólio de Hollywood (“I make my pictures for what Hollywood spends on lipstick” Maya Deren), que considerava como uma ameaça ao carácter artístico do cinema. Maya Deren escrevia, realizava, representava, editava e distribuía os seus prórpios filmes, promovendo-os através de palestras nos Estados Unidos, Canadá e Cuba, tornando-se numa figura incontornável no cinema enquanto expressão artística .

Filmografia:

Meshes of the afternoon (1943)

At Land (1944)

A Study in Choreography for Camera (1945)

Ritual in Transfigured Time (1946)

The Private Life of a Cat  (1947)

Meditation on Violence (1948)

The very Eye of Night (1952-55)
Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti

"The task of cinema or any art form is not to translate hidden messages of the unconscious soul into art but to experiment with the effects contemporary technical devices have on nerves, minds or souls" 
Filmmaker, film theory, dancer, set designer, writer and photographer, Eleanora Derenkovskaya, born in 1917, is one of the most remarkable of the so-called experimental films. With a degree in journalism and political science, she became interested in early cinema, but directed her first film, Meshes of the Afternoon, only in 1943 together with her second husband, Alexander Hammid. In later years Maya Deren developed a number of work, almost always in short films as At Land (1944) and Ritual in Transfigure Times (1946), allways exploring the possibilities of editing, manipulating the perception of time and movement, as well as a ritualistic and dreamlike atmosphere. In addition to the stylistic influence that her movies have had over the history of cinema (David Lynch is one example), they are also marked by the independent character, putting into practice Deren´s theoretical position relatively to the monopoly of Hollywood ( "I make my pictures for what Hollywood Spends on lipstick "Maya Deren), that she considered a threat to the artistic nature of cinema. Maya Deren wrote, performed, edited and distributed her own films, promoting them through lectures in the United States, Canada and Cuba, and became an inescapable figure in the film as artistic expression

The Vaselines

“Most favorite songwriters in the world.”- assim se referia Kurt cobain dos The Vaselines, uma banda escocesa de que era grande fã e da qual os nirvana acabaram por fazer três covers: Son of a Gun, Molly´s Lips (inseridas em Incesticide), e Jesus wants me for a sunbeam (que faz parte do MTV Unplugged, com um nome ligeiramente diferente). Esta ligação com os Nirvana, acabou por dar a conhecer ao mundo uma banda que, sem essa ajuda talvez nunca tivesse sido descoberta (ou, pelo menos, demoraria um pouco mais a sê-lo) mas que, mesmo assim, permanece, lamentavelmente, um pouco esquecida.

Os Vaselines foram criados em Edimburgo no ano de 1987 por Eugene Kelly e Frances McKee, aos quais mais tarde se juntaram Charles Kelly na bateria e James Seenan no baixo. Tendo lançado apenas dois EPs, no final dos anos 80, e um álbum, em 1990, chamado Dum Dum têm, portanto, um repertório pouco extenso que se encontra reunido no recentemente lançado Enter The Vaselines. Son of a Gun foi o seu primeiro single e as suas musicas caracterizam-se por letras de temática sexual, cantadas por vozes doces e, muitas vezes, sobre um fundo de guitarras barulhentas, sendo notória a influência dos Velvet Underground

Os The Vaselines acabaram na semana em que foi lançado o álbum de estreia, apenas quatro anos após a sua formação. Com o final do projecto, Eugene Kelly e Frances McKee, cada um por seu lado, acabaram por seguir carreiras musicais em outras bandas e a solo.

Em 2006, os dois membros fundadores do grupo, juntaram-se pela primeira vez em quase 20 anos numa digressão conjunta para promover os respectivos álbuns a solo, voltando a juntar-se já em 2008 para alguns concertos. A reedição do seu trabalho, no duplo Enter the Vaselines, é uma boa oportunidade para descobrir uma daquelas bandas...que vale a pena ouvir.

("Most favorite songwriters in the world." - That was said by Kurt Cobain about The Vaselines, a Scottish band whom he was big fan, and Nirvana had eventually covered three of their songs: Son of a Gun, Molly's Lips (inserted in Incesticide), and Jesus wants me for a sunbeam (which is part of MTV Unplugged, with a slightly different name). This link with the Nirvana eventually gave to the world a band that, without such help might never have been discovered (or at least take a little longer to be) but that still remains, unfortunately, a little forgotten.
The Vaselines were established in Edinburgh in 1987 by Eugene Kelly and Frances McKee, which later joined Charles Kelly on drums and Charly James on bass. With only two EPs in the late 80's and one album in 1990 called Dum Dum therefore have a small repertoire that is assembled in the recently released Enter The Vaselines. Son of a Gun was the first single and their songs are characterized by sex-themed lyrics, sung by sweet voices and often against a background of loud guitars, and The influence of the Velvet Underground.
The Vaselines ended the week it was released the debut album, just four years after its formation. With the end of the project, Eugene Kelly and Frances McKee, each one in turn, eventually pursue careers in music bands and solo.
In 2006, two founding members of the group gathered for the first time in nearly 20 years on a joint tour to promote their solo albums, returning to join in 2008 for concerts. A reprint of their work, the double Enter the Vaselines, is a good opportunity to discover one of those bands ... it's worth listening to.)

Georges Mélies

Quando o cinema deu os seus primeiros passos, Mélies era um ilusionista profissional que se interessou pela recém-nascida sétima arte, formou a companhia cinematográfica Star-Films e tornou-se num dos cineastas mais importantes naquilo que foi o desenvolvimento do cinema enquanto expressão artística. As experiências que fez nos mais de 500 filmes realizados e, muitas vezes interpretados, por si estão intimamente relacionadas com o seu trabalho de ilusionista, uma vez que transportou para o ecrã a fantasia dos espectáculos de magia, aproveitando as potencialidades técnicas do cinema enquanto criador de ilusões. Entre as técnicas de efeitos em que foi pioneiro, encontram-se as trucagens, as exposições múltiplas e variadas ilusões de óptica que estão na origem dos efeitos especiais no cinema.

O filme que o tornou célebre foi Le Voyage Dans La Lune (1902), vagamente baseado nos livros Da Terra à Lua de Julio Verne e O Primeiro Homem na Lua de H.G. Wells , que conta a história de um grupo de cientistas que constroem um foguetão em forma de bala e viajam até à Lua, descobrindo que ela é habitada por seres hostis denominados Selenitas e conseguem regressar à Terra, onde são recebidos como heróis por uma parada em sua honra .

Le Voyage Dans La Lune é uma curta-metragem, excepcionalmente longa para a época, uma vez que, na altura, predominavam os pequenos clips de alguns minutos que, ao contrário dos filmes realizados por Mélies, retratavam pequenas situações quotidianas (como por exemplo a chegada de um comboio ou a refeição de um bebé) e pretendiam ser um espelho da realidade, explorando a captação do movimento que, afinal, foi a sua grande inovação enquanto avanço científico. Le Voyage Dans La Lune, e os restantes filmes de Mélies, vieram apontar um novo caminho em direcção à criação de uma linguagem artística cuja capacidade de captar a dimensão temporal lhe permite a construção de uma narrativa. Apesar de ainda se apoiar no dispositivo teatral em que a câmara é fixa num plano frontal estático, como se estivéssemos perante um palco, e de a história progredir através de uma sucessão de planos, ou seja, apesar de não existirem grandes inovações a nível da montagem ou da linguagem dos planos, os filmes de Mélies em geral, e La Voyage Dans La Lune em particular, abriram novas portas ao cinema e deram origem ao cinema de ficção em geral e a géneros como a fantasia, o terror e a ficção cientifica em particular, com os seus efeitos especiais e cenários fantásticos, bem como a imagens iconográficas da história da sétima arte, como a do foguetão a aterrar no olho da lua.

(When the film took its first steps, Mélies was a professional magician who became interested in newborn seventh art, formed the film company Star-Films and became one of the most important filmmakers in what was the development of cinema as artistic expression . The experiences made in over 500 films and often interpreted by himself are closely related to his work as a magician, since he moved to the screen the fantasy of magic shows, using the technical capabilities of the movie maker illusions. Among the techniques he pioneered, are the "trickery"(?), the multiple exposures and various optical illusions that are the source of the special effects in movies.
The film that made him famous was Le Voyage Dans La Lune (1902), loosely based on the books the Earth to the Moon by Jules Verne and The First Man on the Moon by HG Wells, who tells the story of a group of scientists who build a bullet-shaped rocket and travel to the moon, discovering that it is inhabited by hostile beings called Selenites and then can return to Earth, where they are greeted as heroes by a parade in their honor.
Le Voyage Dans La Lune is a short film, exceptionally long for that age, since at the time dominated small clips of a few minutes that, unlike the films made by Méliès, portrayed small everyday situations (such as arrival of a train or a meal from a baby) and claimed to be a mirror of reality, exploring the motion capture, after all, it was his breakthrough as a scientific breakthrough. Le Voyage Dans La Lune, and the other Mélies films came to appoint a new path towards the creation of an artistic language whose ability to capture the temporal dimension allows you to build a narrative. While still supporting the theatrical device in which the camera is fixed in a static frontal plane, as if we were dealing with a stage, and the story progress through a succession of plans, although there are no major innovations at the montage language of the plans, Mélies films generally, and La Voyage Dans La Lune in particular, have opened new doors to the cinema and originated to fictional cinema in general and fantasy, horror and science fiction in particular with its special effects and fantastic scenery, and the iconographic images of the history of the cinema, such as the rocket landing in the eye of the moon.)

L'homme-orchestre (1900)DOWNLOAD

Les cartes vivantes (1904) DOWNLOAD

Le locataire diabolique (1909) DOWNLOAD

Barbe bleu (1901) DOWNLOAD

Les affiches en goguette (1905) DOWNLOAD

L'Inpressionniste fin de siècle (1899) DOWNLOAD

Le Mélomane (1903) DOWNLOAD
Sorcellerie culinaire (1904) DOWNLOAD

Le diable noir (1905) DOWNLOAD

Mobilier Fidele (1910)DOWNLOAD

Le Roi du Maquillage (1904)DOWNLOAD

Le monstre (1903) DOWNLOAD

Le tripot clandestin (1905) DOWNLOAD

L'Éclipse du soleil en pleine lune (1907) DOWNLOAD

Un homme de têtes (1898) PARTE1 - PARTE2
L'homme à la tête de caoutchouc (1901) DOWNLOAD
Le chaudron infernal (1903) PARTE1 - PARTE2
La Colle Universelle (1907) DOWNLOAD
Le Voyage à travers l'Impossible (1904) PARTE1 - PARTE2
Le voyage dans la lune (1902)MEGA-DOWNLOAD - LEGENDA RAPID-DOWNLOAD

ASCII History of Moving Images (1998)

Eisenstein - Vuk Cosic
Enviado por vangogho. - videos de Arte e de animação

Na obra de arte digital, ASCII A History of Moving images, o artista eslovenoVuk Cosic converte excertos de filmes e séries clássicos como Couraçado Potemkine, Blow Up, Psycho, Star Trek e Deep Throat em clips de animação em que cada fotograma é transformado numa imagem constituída por caracteres ASCII em vez de pixéis para dar forma a figuras e sombras, transformando as imagens filmadas em novos fotogramas que faz correr numa sucessão rápida.

O código ASCII (American standard Code for Information Interchange), desenvolvido a partir da linguagem telegráfica e utilizado desde 1963, serve-se de um conjunto de números correspondentes a letras e símbolos, permitindo trocar texto escrito em inglês entre diferentes sistemas de computador. A sua utilização para simular imagens era bastante comum quando os computadores não tinham capacidade gráfica. Vuk Cosic eleva-a a um outro nível ao dar-lhes movimento, recriando cenas icónicas da história do cinema e da televisão. Esta obra é, ainda, um exemplo de apropriação e reinterpretação, uma estratégia artística comum na arte digital, em que as novas tecnologias proporcionam um meio fácil de encontrar e modificar imagens, sons, textos, etc.

Formado em arqueologia, este artista explorou a estética das tecnologias antiquadas, numa abordagem arqueológica dos média, e utilizou os caracteres ASCII em vários outros trabalhos, entre 1996 e 2001, tais com ACSII History of Art for the Blind. (“Tento olhar para o passado e melhorar alguma tecnologia marginalizada ou esquecida”). Vuk Cosic é um dos pioneiros de uma geração de artistas que começou a abordar a internet como um meio próprio, um novo espaço onde se pode intervir artisticamente, fazendo uso das tecnologias emergentes e explorando as suas possibilidades estéticas, culturais e políticas. Devido à ligação com a internet que possibilitou a criação de comunidades sem entraves geográficos, este foi um movimento global, uma resposta à globalização cultural e económica, que esteve relativamente isolado do mundo da arte até 1997, quando foi incluído pela primeira vez na exposição documenta X.

(In the work of digital art, ASCII A History of Moving images, the artist Vuk Cosic converts excerpts from films and classics like Battleship Potemkin, Blow Up, Psycho, Star Trek and Deep Throat in clips of animation where each frame translated consists of ASCII characters instead of pixels to form figures and shadows, making the images filmed in new frames that are run in rapid succession.
The ASCII (American Standard Code for Information Interchange), developed from telegraphic language and used since 1963, serves up a set of numbers for letters and symbols, allowing exchange text written in English between different computer systems. Its use to simulate images was quite common when computers had not graphics. Vuk Cosic elevates it to another level by giving them motion, recreating iconic scenes in film history and television. This work is also an example of appropriation and reinterpretation, an artistic strategy common in digital art, where new technologies provide an easy way to find and modify images, sounds, text, etc..
Degree in archeology, it explored the aesthetics of dated technology in archaeological approach of the media, and used the characters in several other studies, between 1996 and 2001, with such ACSII History of Art for the Blind. ( "I try to look back and improve some technology marginalized or overlooked"). Vuk Cosic is one of the pioneers of a generation of artists who started to address the Internet as a medium itself, a new space where we can intervene artistically, making use of emerging technologies and exploring its aesthetic, cultural and political possibilities. Because of the connection to the internet that led to the creation of communities without geographic barriers, it was a global movement, a response to economic and cultural globalization, which was relatively isolated from the art world until 1997 when it was first included in the explanatory Documenta X.)

Cabaret Voltaire

“ Cabaret Voltaire. Com este nome formou-se um grupo de jovens artistas e escritores que têm por objectivo criar um centro de entretenimento artístico. A ideia do cabaret consiste em ter apresentações diárias de convidados, fazendo performances artísticas e lendo as suas obras. Os jovens artistas de Zurique, quaisquer que sejam as suas tendências, estão convidados a comparecer com sugestões e contribuições de todo o tipo.”

Este é o comunicado de imprensa para a noite de estreia do Cabaret Voltaire, café-cabaret fundado em Zurique no ano de 1916, por Hugo Ball e Emmy Hennings. Vindos de Munique, onde de inspiraram nos cafés-cabaret muito populares nessa cidade, emigraram para a Suiça fugidos da Primeira guerra mundial (Hugo Ball era desertor do serviço militar).

A noite de estreia do Cabaret Voltaire, no dia 5 de Fevereiro de 1916, foi um sucesso que se estendeu pelas semanas seguintes, dando lugar ás mais variadas e loucas apresentações. Tornou-se um espaço de experimentação, onde os artistas colaboraram para criar novas linguagens e formas de expressão das ideias e onde surgiram conceitos como o de poema simultâneo, poema sonoro e Dada (no Cabaret Voltaire foi escrito o Manifesto dadaísta).

Foi também um espaço controverso, no qual não existiam complexos em exprimir o desprezo pela época em que se vivia, bem como por algum do público que lá passava. Foi precisamente este grupo de artistas, do qual fizeram parte, ainda, Marcel Janco, Richard huelsenbeck, tristan Tzara e Jean Arp, e as suas performances no Cabaret Voltaire, inicialmente sem pretensão absolutamente nenhuma a criar uma nova estética ou movimento, que vieram a dar origem a uma das vanguardas artísticas mais influentes do século XX.

“No palco de uma taberna festiva, multicolorida e heterogénea, vêm-se várias figuras peculiares e bizarras representando Tzara, Janco, Ball Huelsenbeck, madame Hennings e este vosso humilde servo. Um pandemónio total. As pessoas á nossa volta gritam, riem ás gargalhadas e gesticulam. As nossas respostas são suspiros de amor, saraivadas de soluços, poemas, mugidos e miados de bruitistas medievais. Tzara balança as nádegas como se estas fossem o ventre de uma dançarina oriental. Janco toca um violino invisível, arqueando e arranhando. Madame Hennings, com rosto de madona, está em posição de espargata. Huelsenbeck bate sem parar no grande tambor, com Ball a acompanha-lo ao piano, pálido como um fantasma. Deram-nos o título honorário de niilistas”

1) Cabaret Voltaire. Quadro de marcel janco e texto de Jean Arp (1916)

1) Hugo Ball declamando o poema sonoro Karawane (1916). Ball colocava os seus textos em suportes de pauta espalhados pelo palco e lia-os alternadamente durante a performance, erguendo e baixando as “asas” de papelão do seu fato.

1) Emmy Hennings, artista de cabaret profissional era, muitas vezes, a estrela do Cabaret Voltaire, concebendo novas obras diariamente.

(

"Cabaret Voltaire. With this name was formed a group of young artists and writers who seek to create a center for artistic entertainment. The idea of the cabaret is to have its daily guests, performing arts and reading their works. The young artists of Zurich, whatever their tendencies are invited to attend with suggestions and contributions of all kinds. "
This is the press release for the opening night of Cabaret Voltaire, cabaret-café founded in Zurich in 1916, by Hugo Ball and Emmy Hennings. Coming from Munich, where's the coffee-inspired cabaret very popular in this town, emigrated to the United States escaped the First World War (Hugo Ball was a deserter from military service).

The opening night of Cabaret Voltaire, on 5 February 1916 was a success that lasted for weeks, giving rise to the most varied and crazy performances. It became a space of experimentation, where artists collaborated to create new languages and forms of expression of ideas and concepts which emerged as the poem of the same time, sound poetry and Dada (the Dadaist Manifest was written in Cabaret Voltaire ).

It was also a controversial area in which there were complex to express contempt for the time they lived, and by some of the public who went there. It was precisely this group of artists, which took part, also, Marcel Janco, Richard Huelsenbeck, Tristan Tzara and Jean Arp, and their performances at the Cabaret Voltaire, initially without absolutely no intention to create a new aesthetic or movement, which came to give rise to one of the most influential artistic avant-gardes of the twentieth century.



"In the tavern scene of a festive, colorful and diverse, you see several peculiar and bizarre figures representing Tzara, Janco, Huelsenbeck Ball, Madame Hennings and that your humble servant. A total pandemonium. People around us cry, laugh to laugh out loud and gesticulate. Our replies are sighs of love, volleys of hiccups, poems, mooing and meowing of Bruitist medieval. Tzara balance the buttocks as if they were the belly of an Oriental dancer. Janco play an invisible violin, bowing and scraping. Madame Hennings, with Madonna's face, is the splits position. Huelsenbeck chat endlessly on the great drum, with Ball accompanying him on piano, pale as a ghost. We were given the honorary title of nihilists "

1) Cabaret Voltaire. Table of Marcel Janco and text by Jean Arp (1916)

2) Hugo Ball reciting the poem sound Karawane (1916). Ball put his writings on media staff around the stage and read them alternately during the performance, raising and lowering the wing of his cardboard fact.

3) Emmy Hennings, a cabaret artist's work was often the star of Cabaret Voltaire, devising new works every day.)