BIN JIP (2004) - Ki-duk Kim

Bin Jip, Ferro 3 em Português, conta-nos a história de um jovem rapaz solitário que invade a casa de pessoas quando estas não estão. Para além de usar as casas alheias, arranja pequenas coisas que se encontram avariadas e trata da roupa suja dos proprietários, demonstrando uma ética pessoal que nos impede de condenar o seu acto que, de resto, percebemos ser uma táctica de sobrevivência de alguém que se desligou da sociedade. Um dia, numa das casas que pensa estar vazia, encontra uma jovem mulher que se encontra presa num casamento violento. Entendem-se. Ela parte com ele. Apaixonam-se e, apesar da violência do mundo exterior que ameaçam separá-los, conseguem finalmente estar juntos.

Esta história de amor é, ao mesmo tempo, simples e bizarra e tudo isto se passa sem que os dois protagonistas pronunciem uma única palavra. Esta opção pelo silêncio, um silêncio carregado de sentidos é, aliás, uma das marcas de Ki-Duk Kim, presente em filmes como Primavera, Verão,Outono, Inverno, Primavera (2003) ou A Ilha (2000). Em Bin Jip, o par romântico do filme não fala, nem sequer um com o outro. O entendimento e o amor que se desenvolve entre os dois dá-se através de olhares, gestos e atitudes como se comunicassem num plano superior que “os outros” não compreendem nem poderiam compreender, como se tivessem poderes telepáticos que só funcionam entre eles os dois, seres etéreos. A reacção dos restantes personagens ao inabalável silêncio de ambos é de incompreensão e, frequentemente, de violência.

O facto de se manterem silenciosos sob todas as circunstâncias sem qualquer esforço de comunicação, nem sequer quando são interrogados pela polícia, faz com que estes dois personagens tenham um carácter fantasmagórico. Eles são seres à parte que passam pelo mundo como vapor. Entram nas casas das pessoas e alteram pequenas coisas mas quase não deixam rasto. Pensaríamos, mesmo, que estas duas personagens não são reais, não fossem as consequências das suas acções, nem sempre benéficas, e a reacção dos “outros” a eles. Não lhes percebemos qualquer paixão ou desejo, a não ser um pelo outro. Ela vivia já uma vida resignada à violência doméstica, como se fosse um corpo de cartão. Ele vagueava sozinho conseguindo subsistir através do seu método rigoroso. E é, precisamente, a paixão um pelo outro que os faz descurar os mecanismos de defesa que mantinham até então, tornando-os vulneráveis a agressões exteriores mas, dando-lhes esperança e fazendo-os renascer.

Bin Jip é uma experiência única e comovente, filmado com grande sensibilidade e subtileza e é um excelente exemplo do cinema oriental, que se tem assumido, nos últimos anos, como um dos mais interessantes e vivos da actualidade. Apesar de não ser reconhecido na sua terra natal, a Coreia do Sul, o trabalho de Ki-Duk Kim tem vindo a receber reacções entusiásticas nos festivais internacionais, tendo recebido dois prémios de melhor realizador em 2004 por Samaria e Bin Jip nos festivais de Berlim e de Veneza, respectivamente.


Bin Jip

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Bin Jip, 3-Iron in English, tells the story of a lonely young man who breaks into the house of people when they are not there. In addition to using other people's houses, he fixes little things that are broken and does their dirty laundry, showing a personal ethic that prevents us from condemning his act,  perceive to be a survival tactic of someone who is cut off from society. One day, in one of the "empty" houses he finds a young woman who is trapped in a violent marriage. They understand each other. She leaves with him.They fall in love and, despite the violence of the outside world that threaten to separate them, can finally be together.This love story is at the same time simple and bizarre and it all goes by without the two main characters say a single word. This option for silence, a silence full of meaning, is one of the hallmarks of Kim Ki-Duk, present in films such as Spring, Summer, Fall, Winter, Spring (2003) or The Isle (2000). In Bin Jip, the romantic couple does not talk, not even with each other. The understanding and love that develops between the two takes place by looks, gestures and attitudes as they communicate on a higher plane, one that "others" could not understand or comprehend, as if they had telepathic powers that only work between the two of them, ethereal beings. The reaction of the remaining characters to the unshakeable silence of both is of incomprehension and is often violent.

The fact that they keep silent under all circumstances without any effort to communicate, even when they are questioned by the police, makes these two characters have a ghostly character. They are the beings that pass through the world as vapor. They enter people's homes and change small things, but leave almost no trace. We would think, even, that these two characters are not real, were not the consequences of their actions, not always beneficial, and the reaction of "other" to them. We do not perceive any passion or desire, but to each other. She has lived a life resigned to domestic violence, like a card body. He wandered alone managing to survive through its rigorous method. And it is precisely the passion for each other that makes them neglect the defense mechanisms that held them so far, making them vulnerable to external aggression, but giving them hope and making them reborn.Bin Jip is a unique and moving experience, shot with great sensitivity and subtlety and is an excellent example of eastern film, which has become, in recent years, one of the most interesting and alive today. Although not recognized in his native South Korea, the work of Kim Ki-Duk has received enthusiastic reactions in international festivals and received two awards for best director in 2004 for Samaria and Bin Jip at  Berlin and Venice festivals, respectively.

Sedmikrásky (Daisies) - 1966 (Věra Chytilová)

Na primeira cena de Daisies, as protagonistas chegam a uma conclusão: o mundo está “estragado” e, por isso, elas podem portar-se mal. Este primeiro diálogo é o mote para tudo o que se passa a seguir, a justificação para as acções que Marie I e Marie II levam a cabo. Com uma postura de meninas mimadas, as duas jovens protagonistas de Daisies exprimem, com a sua rebeldia e non-sense, sempre num tom de travessura, um certo desespero e revolta contra as regras sociais estabelecidas que regem um mundo, ele próprio, desesperado e sem sentido.

O filme é enquadrado, no início e no final, por imagens de guerra explosões que dão, desde logo, uma dimensão politica às acções das personagens (que seduzem homens mais velhos levando-os a pagarem-lhes faustosas refeições e, depois, mandando-os embora; ateiam fogo ao seu próprio quarto; e agem como loucas na rua, entre outras maluquices sem sentido aparente). Daisies acaba por ser uma divertida paródia a certas noções, como a noção trabalho e de amor, que estão na base da organização da sociedade e, ainda, à imagem e ao papel da mulher numa sociedade que constrange a expressão individual.

A nível estético, a utilização de técnicas experimentais (alternância entre preto e branco, cor e tintado; colagem de planos que mudam bruscamente o local da acção, entre outros efeitos) está de acordo com a intenção de desconstrução do “real” e de desafio à reflexão e à procura de novos significados e associações.

Daisies enquadra-se na Nova Vaga Checa que existiu como resposta ao regime comunista e da qual o nome mais sonante é Milos Forman que acabou por imigrar para os EUA. Ao contrário de Forman, Vera Chytilova decidiu manter-se na República Checa, onde enfrentou algumas dificuldades devido ao carácter subversivo dos seus trabalhos. Ao longo da sua carreira realizou cerca de 29 filmes, entre os quais se encontram várias curtas-metragens e alguns documentários.

Mais informação aqui e aqui.

Filme na integra, no youtube, com legendas em Inglês.

In the first scene of Daisies the protagonists come to one conclusion: the world is spoiled and therefore, they may spoiled too. This first dialogue is the pretext for all that happens then, the justification for the actions that Marie I and Marie II carrie out. With an attitude of spoiled girls, the two young protagonists of Daisies express, with their non-sense, always in a tone of mischief, a certain desperation and rebellion against established social rules that govern a world, himself, desperate and meaningless.
The film is framed, at the beginning and end, by images of war explosions that give first and foremost a political dimension to the actions of the characters (who seduce older men, leading them to pay them sumptuous meals, and then sending them them away, burn their own room, and act like crazy on the street, among other crazy things with no apparent sense). Daisies turns out to be a fun parody of certain concepts, such as the notion of work and love, which underlie the organization of society and also to the image and role of women in a society that constrains individual expression.
The aesthetic level, the use of experimental techniques (alternating between black and white, color and ink, collage plans that suddenly change the site of action, among other effects) is consistent with the intent of deconstructing the "real" and challenge reflection and the search for new meanings and associations.
Daisies is part of the Czech New Wave that existed in response to the communist regime and from which the most known name is Milos Forman which eventually immigrated to the U.S.. Unlike Forman, Vera Chytilova decided to stay in the Czech Republic, where she faced some difficulties due to the subversive nature of her work. Throughout her career Chytilova made ​​some 29 films, among which are several short films and some documentaries

The Birthday Party - Nick The Stripper

Yûkoku (1966) - Yukio Mishima

Yûkoku (Rito de Amor e de Morte em Português do Brasil) é uma curta-metragem realizada pelo reputado escritor Yukio Mishima e por Domoto Masaki. Realizado quatro anos antes do suicídio de Mishima, Yûkoku reflecte a história de um tenente do exército japonês, Shinji Takeyama, e da sua mulher, Reiko.

Mishima é fascinado pela morte e pelo samurai. No filme, esta fascinação é-nos demonstrada quando Shinji, representado pelo próprio Mishima, comete seppuku, ou harakiri, o suicídio ritual dos samurais. Mishima acabaria por se suicidar desta mesma forma. Em Yûkoku são tratados os temas da morte, violência e política, recorrentes em Mishima.

Yûkoku (Patriotism in English) is a short film made by the renowned writer Yukio Mishima and Domoto Masaki. Written four years before the suicide of Mishima, Yûkoku reflects the story of a Japanese army lieutenant, Shinji Takeyama, and his wife, Reiko.

Mishima is fascinated by death and samurai. In the film, this fascination is shown when Shinji, played by Mishima itself, commits seppuku or harakiri, the samurai ritual suicide. Mishima eventually commit suicide this same way. In Yûkoku we can see the  themes of death, violence and politics, recurrent in Mishima’s work.

motorama - Ship

LA STRADA (1954) - Federico Fellini

La Strada acompanha a jornada de Gelsomina desde que, vendida pela sua mãe, é forçada a partir com Zampanó (Anthony Quinn) para uma vida de artista itinerante. O filme segue a protagonista através de uma sucessão de episódios que põem à prova a sua inocência e boa vontade, à medida que desenvolve sentimentos em relação a Zampanó que são retribuídos com brutalidade e indiferença.

Um dos elementos mais marcantes em La Strada é a expressividade com que Giulietta Masina, mulher de Fellini, interpreta a inesquecível Gelsomina. Essa expressividade, que faz lembrar as representações do cinema mudo (principalmente Chaplin) centra-se, sobretudo, no rosto de Masina e é através desse rosto que sobressai toda a palete das emoções humanas que o filme aborda nos vários momentos.

Em La Strada, Fellini aproveita a actividade de saltimbancos dos seus personagens para traçar um retrato de Itália no pós Segunda Guerra Mundial. Este filme marca uma transição na obra de Fellini entre o rígido compromisso social do cinema neo-realista e uma maior ligação à fantasia e ao sonho. O tom do filme é poético e melancólico, pontuado por momentos de delicioso humor.

La Strada follows the journey of Gelsomina since, sold by her mother, is forced to leave with Zampano (Anthony Quinn) to an itinerant life as an artist. The film follows the protagonist through a succession of episodes that will test her innocence and good will, as she develops feelings for Zampano that are rewarded with brutality and indifference.
One of the most striking elements in La Strada is the expressiveness that Giulietta Masina, Fellini's wife, gives to the unforgettable Gelsomina. This expressiveness, which resembles the performances of the silent film (especially Chaplin) focuses mainly on the face of Masina and it is through this face that stands out the entire palette of human emotions that the film touches on several occasions.
In La Strada, Fellini takes the activity of travelers of his characters to draw a portrait of Italy's post World War II. This film marks a transition in Fellini's work between the neo-realist rigid social compromise and a greater connection to fantasy and dream. The film's tone is poetic and melancholic, punctuated by moments of delightful humor.

MARINA ABRAMOVIC E ULAY

Em 1976, Marina Abramovic e Ulay (Uwe Laysiepen), dois artistas reconhecidos pelo seu trabalho na área da performance e da body art, conheceram-se e iniciaram uma colaboração artística. O termo body art tem origem nos anos 60 do século XX para designar uma categoria da arte da performance em que a matéria-prima utilizada é o corpo, geralmente do próprio artista.

 Ao longo desta colaboração, Marina Abramovic e Ulay viveram juntos, designando-se a si próprios como um “corpo com duas cabeças”, e criaram uma série de performances, como Relation in Time, Expanding in Space, Imponderabilia e AAA AAA, que exploram os limites do corpo e a sua relação com o espaço, temas que vinham já a desenvolver nos seus trabalhos individuais.

O fim desta relação pessoal e artística foi assinalado com uma última performance, denominada The Lovers. Em Julho de 1988, cada um deles partiu, a pé, de um dos extremos da grande muralha da china, percorrendo mais de 2000 km em 90 dias, e encontraram-se no meio para se despedirem um do outro.

In 1976, Marina Abramovic and Ulay (Uwe Laysiepen), two artists known for their work in the area of performance and body art, met and began an artistic collaboration. The term body art origins in the 60´s to designate a category of performance art in which the raw material used is the body, usually the body of the artist himself.
  Through this collaboration, Marina Abramovic and Ulay lived together, designating themselves as "a body with two heads," and created a series of performances such as Relation in Time, iExpanding in Space, Imponderabilia ans AAA AAA, which exploit the limits of the body and its relation to space, topics that both were already developing in their individual work.
The ending of this personal and artistic relationship was marked with a last performance, called The Lovers. In July 1988, each of them went on foot from one end of the Great Wall of China, covering more than 2000 km in 90 days, and met in the middle to say goodbye to each other.

SCOUT NIBLETT

Scout Niblett, nascida em 1973 em Inglaterra, é uma cantora/compositora actualmente a viver nos EUA dona de uma voz, simultaneamente doce, melancólica e cortante. Uma das características que se destacam mais na sua música é o estilo minimalista, sendo que a sua voz é, normalmente, acompanhada apenas por guitarra e bateria. Para além de cantar é ela própria que, muitas vezes, toca os instrumentos que a acompanham.

Assumindo influências do grunge (especialmente Sonic Youth, Mudhoney e Nirvana), as suas composições combinam momentos quase infantis com uma energia frenética, esquizofrénica mesmo, resultando num estilo muito próprio.

Entre 2001 e 2010, Scout Niblett lançou cinco álbuns, entre os quais I Am (2003) e Kidnapped by Neptune (2005) com a colaboração de Steve Albini (que foi, também, produtor de bandas como Nirvana, Peaches e P.J. Harvey), e tornou-se conhecida pelos seus concertos intimistas. 




Scout Niblett, born in 1973 in England, is a singer/songwriter currently living in the U.S. owner of a voice both sweet, melancholic and sharp. One of the features that stand out most in her music style is its minimalism, her voice is usually accompanied only by guitar and drums. In addition to singing she herself often plays the instruments that accompany it.

Taking influences from grunge (especially Sonic Youth, Mudhoney and Nirvana), Scout Niblett's compositions combine almost childlike moments with a frenetic energy, even schizophrenic, resulting in a very unique style.

Between 2001 and 2010, Scout Niblett released five albums, including I Am (2003) and Kidnapped by Neptune (2005) in collaboration with Steve Albini (who was also the producer of bands like Nirvana, Peaches and PJ Harvey) and became known for her intimate concerts.

Blonde Redhead - Falling Man

Francesca Woodman

Francesca Woodman é uma fotógrafa conhecida pelos seus auto-retratos. Todos os seus trabalhos foram realizados num período de apenas alguns anos, entre 1972 e 1981, quando se suicidou, com 22 anos. Foi, apenas, após a sua morte que esta fotógrafa se tornou conhecida, atingindo um estatuto de culto.

As suas fotografias constituem-se, maioritariamente, de auto-retratos nos quais através da utilização de longas exposições, cria imagens surrealistas. Os cenários das suas fotografias são, frequentemente, salas de casas velhas, com paredes descascadas, espaços vazios nos quais se encena a si própria. Estes espaços remetem para o local onde Francesca cresceu com os seus pais, ambos artistas, numa velha quinta no Colorado.

O auto-retrato existe há séculos na arte. Na pintura, uma dos primeiros a distinguir-se pelos seus auto-retratos foi Albrecht Durer, a partir do final do século XV. Rembrandt e Van Gogh pintaram, também, auto-retratos que se tornaram famosos. Outros artistas, como Frida Kahlo, fizeram do auto-retrato uma parte significativa do seu trabalho. Na fotografia, foram muitos fotógrafos que viraram a câmara na para si próprios e para a sua vida, sobretudo a partir da segunda metade do século XX. Alguns nomes importantes nessa área foram, por exemplo, Larry Clark e Nan Goldin, que fotografaram o seu círculo de amigos, construindo um retrato de uma cultura da qual participavam e que estaria, de outro modo, vedado aos olhos de estranhos. Num outro registo, destaca-se Cindy Sherman que, através dos seus auto-retratos nos quais encarna certos estereótipos femininos, questiona o papel da mulher na sociedade.

Os auto-retratos de Francesca Woodman não pretendem nenhuma contextualização com o meio social envolvente. Pelo contrário, exprimem um mundo interior solitário através da representação do corpo. Com as suas fotografias, temos acesso a um imaginário pessoal e a um processo de busca individual.

Francesca Woodman is a photographer known for her self-portraits. All her works were performed over a period of just a few years, between 1972 and 1981, when she committed suicide at age 22. It was only after her death that this photographer was known, and reached a cult status.
Yer photos are mostly self-portraits in which, through the use of long exposures, she creates surreal images. The scenarios of the photographs are often rooms of old houses with peeling walls, empty spaces in which she enacts herself. These are similar to where Francesca grew up with her parents, both artists, in an old farm in Colorado.
The self-portrait has been around for centuries in art. In painting, one of the first to distinguish himself by their self-portraits was Albrecht Durer, from the late fifteenth century. Rembrandt and Van Ghog also painted self-portraits that have become famous. To other artists such as Frida Kahlo it was a significant part of their work. In photography, many photographers turned the camera on themselves and their lives, especially in the second half of the twentieth century. Some big names in this area were, for example, Larry Clark and Nan Goldin, who photographed her circle of friends, building a portrait of a culture on wich they participated and that would, otherwise, be prohibited to the eyes of strangers. In another record, there is Cindy Sherman who,through her self-portraits, in which she embodies certain female stereotypes, questions the role of women in society.
The self-portraits of Francesca Woodman did not want any context with the wider social environment. Rather, they express a solitary inner world through the representation of the body. With her photos, we have access to a personal imaginary and an individual searching process.

Entr’acte (1924) – René Clair

Concebido para ser exibido no intervalo de um bailado, a curta-metragem Entr’acte é um bom exemplo da experimentação modernista no cinema. Contando com a colaboração de artistas ligados ao dadaísmo e ao surrealismo, são visíveis neste filme as influências destes movimentos.

Abandonando qualquer lógica narrativa, Entr’acte utiliza as mais variadas técnicas (desde o slow motion a sobreposições e ângulos insólitos) para criar uma sucessão de episódios e associações surreais e alucinantes, explorando as potencialidades expressivas específicas do cinema. 

Designed to be showed in the intermission of a ballet, the short film Entr'acte is a good example of modernist experimentation in film. With the collaboration of artists connected with Dada and surrealism, the influences of these movements are visible in this film.

Abandoning any narrative logic, Entr'acte uses various techniques (slow motion, unusual angles, etc) to create a succession of surrealistic and mind-blowing episodes and associations, exploring the expressive potential of  movies.