Massa Espiral

A FONTE DA VIRGEM (1960) – INGMAR BERGMAN

2012-01-22T11:25:00.003Z

(contém spoilers)

Considerado um filme menor na carreira do cineasta, A Fonte da Virgem (Jungfrukälla) é uma pequena pérola na filmografia de Ingmar Bergman.

A Fonte da Virgem, baseado numa balada medieval, é a história de uma família, rica e cristã, cuja filha é violentamente violada e assassinada por pastores após a sua meia-irmã lhe ter lançado uma maldição. A personagem central é Karin, a filha inocente, a quem é incumbida a tarefa de percorrer um longo caminho até à igreja para entregar velas em honra de Nossa Senhora. Na sua jornada, acompanha-a Ingeri, sua meia-irmã que vive na casa mas é tratada como uma criada. Estas personagens são a antítese uma da outra e cada uma delas representa uma determinada atitude perante a vida. Karin é uma jovem rapariga um pouco fútil mas ingénua e bondosa, modelo da virtude cristã. Pelo contrário, Ingeri, adoradora de Odin e transportando no ventre uma criança (tal como ela própria) ilegítima, é uma criatura que se deixa levar pelos seus instintos mais básicos, selvagem e vingativa, e que assiste à violência praticada contra Karin sem tentar impedir.

O momento chave do filme ocorre quando o caminho delas se cruza com o de três irmãos pastores, dois homens e um rapazinho, a quem Karin oferece comida aceitando, ingenuamente, juntar-se a eles na refeição. Aproveitando-se, de forma brutal, das boas intenções da jovem, os dois pastores mais velhos violam-na e matam-na. Mais tarde, sem terem consciência, os assassinos pedem abrigo na casa da família de Karin que acaba por descobrir o que eles fizeram. Apesar da sua moral Cristã, Tore, chefe de família recto e autoritário, vinga-se selvaticamente dos assassinos da filha. Na sua raiva, Tore mata também o mais novo dos três pastores, que nada tinha feito para além de assistir impotente às acções dos irmãos que o maltratam e que sofre terrivelmente com os remorsos. Esta criança é uma das personagens mais marcantes do filme, pelo seu destino trágico, e protagoniza uma das cenas mais comoventes quando, logo após o assassínio de Karin, os seus irmãos o deixam sozinho a vigiar o corpo.

À semelhança de O Sétimo Selo (1957), a acção passa-se na época medieval, num tempo em que o cristianismo se consolida na Suécia, confrontando-se com as tradições pagãs enraizadas. Retratando este choque cultural entre dois mundos diferentes, Bergman serve-se dos comportamentos e diálogos dos personagens, que funcionam como arquétipos de determinadas crenças e atitudes, bem como das relações entre eles, para reflectir acerca do valor da fé e da condição humana.

Apesar de ter ganho vários prémios importantes, A Fonte da Virgem provocou polémica na altura devido à cena de violação. Esta cena, apesar de ser muito menos explícita do que muitas das que tiveram lugar no cinema posterior, é de uma grande violência pela sua secura. Não existe qualquer música para (como, aliás, em quase todo o filme) que nos indique o que sentir. Apenas os sons que o homem faz e depois o silêncio, interrompido apenas pelo grito de desespero de Karin. Todo o filme é filmado de forma elegante e expressiva, e está repleto de belos contrastes que nos reportam para a eterna luta entre a luz e as trevas.

(Spoiler Alert)
Considered a minor movie in thefilmmaker's career , The Virgin Spring (Jungfrukälla) is a little gem in Ingmar Bergman filmography.The Virgin Spring, based on a medieval ballad, is the story of rich and Christian family whose daughter is viciously raped and murdered by herders after her half-sister had launched a curse on her. The central character is Karin, the innocent daughter, who is assigned the task to go a long way to the church to deliver candles in honor of Our Lady. On her journey, ahe is accompanied by Inger, her half-sister, who lives in the house but is treated like a servant. These characters are the antithesis of each other and each one represents a certain attitude towards life. Karin is a little bit futile young girl, naive and kind, model of Christian virtue. Rather, Inger, worshiper of Odin and carrying a child in the womb (as herself) illegitimate, is a creature carried away by her baser instincts, savage and vindictive, who watches the violence against Karin without trying to prevent it .The key moment of the film occurs when their path crosses with the three brothers, two men and a boy, to whom Karin offers food, naively joining them in a pic nic. Taking a brutal advantage of Karin's good intentions, the two older pastors rape her and kill her. Later, without knowing, the killers ask for shelter under Karin's family home. The family ends up discovering what they did. Despite its Christian morals, Tore, authoritarian householder, savagely avenges his daughter. In his rage, Tore also kills the youngest of the three shepherds who had done nothing but watch helplessly to the actions of his brothers, who mistreated him, and suffer terribly from remorse. This child is one of the most remarkable characters of the film, due to his tragic fate, and stars in one of the most moving scenes when, shortly after the murder of Karin, her brothers leave him alone to watch the body.Like The Seventh Seal (1957), the action is set in medieval times, a time when Christianity was consolidating in Sweden, faced with the pagan traditions rooted. Portraying this culture clash between two different worlds, Bergman makes use of the character's behavior and dialogue as well as the relationships between them to reflect on the value of faith and the human condition.
Despite having won several major awards, The Virgin Spring provoked controversy at the time because of the rape scene. This scene, although it is much less explicit than many of the movies that took place later, has a great force for its dryness. There is no music (as, indeed, in almost the entire film) that tell us what to feel. Only the sounds that the man does and then silence, broken only by Krin's cry of despair. The entire film is shot in an elegant and expressive way, full of beautifull contrasts reporting to the eternal struggle between light and darkness.

HISTOIRE(S) DU CINÈMA – JEAN-LUC GODARD

2011-12-12T19:37:00.001Z

Uma das características sempre presentes em toda a obra de Jean-Luc Godard é a subversão dos códigos da linguagem cinematográfica bem como dos códigos narrativos, dos quais se desfaz progressivamente, através da proposta de uma nova concepção de montagem, baseada na ruptura, na repetição e na disjunção.

A partir dos anos 80, o seu interesse noutros meios desenvolve-se através de trabalhos na área da televisão e do videoclip e de experiências que incorporam o vídeo no cinema começando, mais tarde, a pensar o vídeo separadamente, como forma de reflectir sobre a sua própria obra.

Histoire(s) du Cinéma foi feito como uma série/vídeo-ensaio para o Canal+, Arte e Gaumont entre 1988 e 1998, sendo que o primeiro capitulo da série (1A e 1B) foi transmitido em cinco canais europeus em simultâneo e os restantes estrearam em festivais de cinema. O museu de Arte Moderna de Nova Iorque foi apresentando cada um dos capítulos à medida que eram terminados e a obra foi inteiramente exibida, integrada numa instalação no Documenta X em 1997.

Toda a obra é uma sucessão/colagem de imagens, palavras e sons que se sobrepões e entrelaçam em sequências repetitivas. Godard utiliza imagens de arquivo (de filmes e documentais) juntamente com imagens filmadas de propósito para a obra, musica, pintura e fotografias, vozes que recitam e citam passagens literárias, efeitos sonoros, música clássica, videoescrita, ou seja, tudo aquilo que o vídeo tem a capacidade de integrar, sem qualquer hierarquia epistemológica entre os vários elementos que são utilizado como matéria-prima.

Histoire(s) du Cinéma divide-se em quatro capítulos, constituídos por duas partes cada um. Ao longo desses capítulos, Godard revisita a sua própria história do cinema, colocando-se constantemente no centro da “narrativa”: ouvimos a sua voz, vemos a sua imagem, a sua história do cinema é subjectiva. Em Histoire(s) não existe uma linearidade cronológica, mas sim uma evolução orgânica, em que certos temas são recorrentes e tudo é simultâneo.

Em Histoire(s) du Cinéma, Godard reescreve, de forma poética a história do cinema e, em simultâneo, a história do século XX, surgindo deste permanente diálogo “uma polifonia de histórias que rompe necessariamente com a visão monolítica que dela tínhamos” (in http://www.bocc.uff.br/pag/bocc-javier-godarteneo.pdf). Esta visão está explícita no próprio título, em que o (s) desafia toda uma concepção de história e de sujeito, de mundo, inaugurando “uma história (…) que aparece como singular e plural ao mesmo tempo”.

Godard defende a ideia do cinema como uma síntese de todas as artes e um meio privilegiado para a apreensão da passagem do tempo tendo, por isso, uma responsabilidade especial perante a história. Segundo ele, o cinema do século XX, com excepção do neo-realismo italiano, falhou redondamente ao demitir-se daquilo que Godard considera a sua obrigação de testemunho do horror (o irrepresentável) por não ter tomado consciência do seu próprio poder. O que resta ao cinema, para tentar redimir-se, é honrar o seu papel de memória, fazendo os possíveis por não deixar esse horror e os erros da humanidade caírem no esquecimento. É precisamente isso que Godard faz em Histoire(s) du Cinéma, mostrando vários momentos em que o cinema se “traiu a si próprio”, ao tornar-se, por exemplo, o mais importante meio de propaganda do século XX, em vez de se posicionar contra qualquer forma de demagogia e de intervir criticamente.

Histoire(s) du Cinema é, ainda, uma reflexão acerca da tecnologia e dos meios artísticos. Godard integra a história do cinema na história de todas as artes, como herdeiro delas e das realizações técnicas do século XIX e faz referências directas que expõem constantemente o próprio meio.

Em Histoire(s) du Cinéma, o recurso expressivo mais importante, é a montagem (“Montagem minha bela inquietação”), pois é através dela que o autor explora o movimento e cria novos significados. Através da manipulação das imagens e das sobreposições (colagens), apropria-se de obras anteriores, transformando-as na sua matéria-prima, e dá-lhes uma nova dimensão. Através deste recurso, Godard explora o fotograma, compondo colagens, dando movimento a imagens estáticas e vice-versa. O ritmo a que as imagens se sucedem é, muitas vezes, extremamente rápido, o que impede o reconhecimento visual (representação), apontando para a própria dificuldade em apreender o real e o ser. Deste modo, a montagem não existe para dar continuidade narrativa, mas sim para trazer à superfície o irrepresentável, através de relações mentais provocadas no espectador.

Histoire(s) du Cinema é uma obra monumental que resume toda a filosofia de Godard em relação à arte e, mais especificamente em relação ao cinema, na sua relação com a história. Através da sua estrutura e da utilização que faz dos recursos tecnológicos e da forma como torna consciente a sua presença, é um ensaio sobre a história cinema e da civilização ocidental no século XX, utilizando para isso fragmentos dessa mesma história (“A única coisa que sobrevive de uma época, tal e qual, é a forma de arte que ela criou para si”- 4B), sendo ao mesmo tempo uma homenagem e uma crítica.

Histoire(s) du Cinema

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One of the features always present in all the work of Jean-Luc Godard is the subversion of film language and narrative codes, which dissolves gradually, by proposing a new editing concept, based on rupture, the repetition and disjunction.From 1980's, his interest in other media developed through work in media such as television and video clips and film experiences that incorporate video starting, later, to think the video separately, as a way to reflect on his own work.Histoire (s) du Cinéma was done as a series / video test for Canal +, Arte and Gaumont between 1988 and 1998, and the first chapter of the series (1A and 1B) was broadcast in five European channels simultaneously and the remaining premiered at film festivals. The Museum of Modern Art in New York presented each of the chapters as they were fully completed and the work was displayed as part of an instalation in Documenta X in 1997.The entire work is a series / collage of images, words and sounds that overlap and interweave repetitive sequences. Godard uses archival footage (films and documentary) along with footage shot specifically, music, painting and photographs, voices recite and quote literary passages, sound effects, classical music, videoescrita, all the Video has the ability to integrate, without any epistemological hierarchy between the various elements that are used as raw material.Histoire (s) du Cinema is divided into four chapters, consisting of two shares each.Throughout these chapters, Godard revisits his own history of cinema, putting himself constantly in the center of the "story": we hear his voice, see his image, his film history is subjective. In Histoire (s) there isn't a chronological linearity, but an organic evolution, in which certain themes are recurrent and everything is simultaneous.In Histoire (s) du Cinéma, Godard rewrites film history and, simultaneously, the history of the twentieth century.
Goddard supports the idea of cinema as a synthesis of all the arts and a privileged means for the apprehension of the passage of time, having therefore a special responsibility before history. For him, the twentieth century cinema, with the exception of Italian neo-realism, failed miserably to resign what Godard considers its duty to witness to the horror (the unrepresentable) for not being aware of his own power. What is left to the movies, to try to redeem themselves, is to honor the memory, doing their best to not let this horror and errors of mankind pass into oblivion. This is precisely what makes Godard in Histoire (s) du Cinema, showing multiple times when the film has "betrayed himself" by being, for example, the most important advertising medium of the twentieth century, instead of stand against any form of demagoguery and act critically.Histoire (s) du Cinema is also a reflection on technology and media. Godard places the history of film in the history of all the arts, as heir to them and the technical achievements of the nineteenth century and constantly expose the medium itself.In Histoire (s) du Cinema, the most important expressive resource, is editing, because it is through it that the author explores the movement and creates new meanings. Through manipulation of images and overlays (collages), Godard appropriates of earlier works, transforming them in his raw material, and gives them a new dimension.Through this feature, Godard explores the frame, makes collages, gives movement to still images and vice versa. The pace at which the images follow one another is often extremely fast, which prevents visual recognition (representation), pointing to the difficulty in grasping the real and being. Thus, the assembly does not to build a narrative, but to bring to the surface the unrepresentable, through mental relations caused in the viewer.Histoire (s) du Cinema is a monumental work that summarizes the Godard's philosophy in relation to art and, more specifically, in relation to the cinema in its relationship with history. Through its structure and the use made of technological resources this is a film essay on the film history and on Western civilization, being both a homage and a critique.

UMBERTO D (1952) – VITTORIO DE SICA

2011-12-07T21:47:00.001Z

Umberto D. é um comovente retrato da solidão e da velhice através da personagem de um idoso, Umberto Domenico Ferrari, que depende da reforma que recebe do estado para sobreviver e tem por único companheiro um cãozinho chamado Flike. Incapaz de pagar as suas dívidas a uma senhoria maldosa, acompanhamos o seu desespero à medida que quase toda a gente com quem ele se cruza tenta aproveitar-se da sua situação e Umberto se apercebe que, por muito que queira, não vai conseguir evitar ser despejado do quarto que habitou durante vinte anos. O único companheiro fiel de Umberto nos seus dias de velhice é um engraçado cão rafeiro pelo qual ele tem um enorme carinho e a relação entre os dois está no centro de algumas das cenas mais comoventes de Umberto D.

Para além de um estudo de personagem, Umberto D. é um filme com uma forte componente de retrato social, não fosse ele considerado uma das grandes obras-primas do neo-realismo. O empenho social é visível desde a primeira cena, na qual o personagem principal é apresentado no contexto de uma manifestação de pensionistas que termina em coerção policial, e está sempre presente através da atenção dada ao quotidiano e ao espaço social que é a cidade.

As reacções dos personagens para com a situação do protagonista vão desde a maldade da senhoria e de todos os que têm oportunidade de se aproveitar da situação desesperada dele, passando pela indiferença hipócrita dos “amigos” que ele encontra na rua, até à incompreensão inocente da criada que, ainda assim, é quem mais o ajuda e podem ser vistas como uma critica a uma sociedade individualista e sem compaixão pelos mais frágeis.

A presença do neo-realismo está também presente na escolha dos intérpretes que, em vez de serem actores profissionais, são pessoas descobertas nas ruas. As principais diferenças entre Umberto D. e os seus antecessores neo-realistas está relacionada com o apuro técnico. De Sica tem, neste filme, um grande cuidado com a fotografia bem como com a qualidade plástica da mise-en-scéne, elementos que em filmes como Roma Cidade Aberta (1945) de Rosselini eram relegados para segundo plano em detrimento de um realismo mais cru.

Apesar de ser hoje considerado uma das grandes obras da história do cinema e o último filme verdadeiramente neo-realista, Umberto D. não teve sucesso comercial no seu tempo, apanhando um momento em que o público italiano começava a virar a sua atenção para outro tipo de filme, mais ligeiro do ponto de vista temático, e que o governo italiano encorajava os realizadores a apresentarem uma imagem mais positiva da Itália.

Umberto D.

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Umberto D. is a moving portrait of loneliness and old age through the character of an old man, Umberto Domenico Ferrari, which depends on the reform he recieves from the state to survive and which only companion is a dog named Flik. Unable to pay their debts to an evil landlord, we follow his despair as almost everyone with whom he meets try to take advantage of his situation and Umberto realizes that, however much he wants it, he will not be able to avoid being evicted from the room he lived for twenty years. The only faithful companion of Umberto's old days is a funny dog for which he has a great affection and their relationship is at the center of some of the most moving scenes of Umberto D.Apart from a character study, Umberto D. is a film with a strong component of social portrait, being considered one of the great masterpieces of neo-realism. The social commitment is visible from the first scene, in which the main character is presented in the context of a manifestation of pensioners ending with police coercion, and is always present through the attention given to everyday life and to the social space that is the city.The other characters' reactions to the situation of the protagonist goes from the evil of the landlady and of all who have the opportunity to take advantage of his desperate situation, through the indifference of the hypocritical "friends" that he finds on the street, to the innocent incomprehension of the maid, that still is who helps him the most, and can be seen as a criticism to an individualistic society and without compassion for the weak.The presence of neo-realism is also present in the choice of performers who, instead of professional actors, are people found on the streets. The main differences between Umberto D. and its neo-realist predecessors is related to technical accuracy. De Sica takes great care with photography as well as with the artistic quality of the mise-en-scene, elements that in such films as Rome Open City (1945) from Rossellini were sidelined at the expense of a more realistic rawness.
Although it is now considered one of the great works of film history and the last truly neo-realist film, Umberto D. had no commercial success at his time, when the Italian public was beginning to turn its attention to another kind of film, thematically lighter, and the Italian government encouraged the filmmakers to present a more positive image of Italy.

NATUREZA-MORTA

2011-12-02T09:21:00.000Z

A natureza-morta é um género das artes plásticas que se define pela representação de objectos inanimados. Ao longo da história da pintura, foram surgindo vários tipos de natureza-morta segundo os objectos escolhidos, que são tão variados como troféus de caça, jarras de flores, objectos domésticos, mesas de pequeno-almoço, etc. Um dos subgéneros mais importantes da natureza morta é a Vanitas, que se define pela temática relacionada com a mortalidade, integrando objectos como caveiras, relógios e fruta podre.

As primeiras naturezas-mortas conhecidas remontam à Grécia antiga, em que vários objectos e alimentos eram pintados no interior de túmulos para serem usados na vida após a morte. Nos séculos que se seguiram, pode dizer-se que a natureza-morta enquanto género independente não existiu e a representação de objectos inseria-se sempre num contexto religioso. Foi na pintura do século XVI que este tipo de pintura começou a ganhar uma grande importância e popularidade. O interesse que se verificou na época pelo mundo natural e pela investigação científica fez com que os objectos naturais começassem a ser apreciados pelo seu valor estético, independentemente de simbolismos religiosos. Apesar da popularidade e desenvolvimento da natureza-morta neste período, continuou a ser, no entanto, considerado um género menor, sendo que os temas mais valorizados eram as cenas históricas, mitológicas ou religiosas.

A partir do final do século XIX, com o surgimento do impressionismo e a mudança de paradigma que marcou a viragem para o século XX, o tema retratado passou a ter menos importância do que a forma como o artista escolhe retratá-lo. Neste contexto, a natureza morta ganhou uma nova vitalidade enquanto veículo ideal para experiências com a cor, a forma, a luz, a composição, a perspectiva etc.

“A Perspectiva das Coisas – A Natureza-Morta na Europa”

É neste período histórico que incide a exposição “A Perspectiva das Coisas”, patente na Fundação Gulbenkian, até 8 de Janeiro de 2012, apresentando uma selecção de quadros que inclui obras de alguns dos artistas mais importantes das vanguardas do final do século XIX e primeira metade do século XX, como Cézanne, Van Gogh, Picasso, Dali, Matisse, Magritte, etc. Esta exposição propõe, através do género da natureza-morta, uma viagem pelas explorações empreendidas pelos artistas vanguardistas que, à medida que as primeiras décadas do século XX avançavam, corriam numa direcção cada vez menos figurativa, incentivando a reflexão acerca do lugar e da natureza da representação das coisas na arte do século XX.

Um dos factores mais importantes para a libertação da pintura do seu dever de se aproximar o mais possível da realidade física e para a mudança de paradigma daí resultante, foi o aparecimento das técnicas de reprodução mecânica do real, a fotografia e o cinema. “A Perspectiva das Coisas” reserva, então, um espaço para estas duas artes, apresentando algumas fotografias de naturezas-mortas, bem como três curtas-metragens modernistas que assentam na utilização de técnicas cinematográficas para dar vida a objectos inanimados.

As obras presentes na exposição vão até meados da década de 50 do século XX, altura da morte de Calouste Gulbenkian e as obras não estão organizadas no espaço cronologicamente, mas sim por temas “que exploram a diversidade da representação das «coisas»”.

Cesto de Limões e Garrafa (1888) - Vincent Van Gogh

Natureza-Morta com Pedaço de Carne Crua (1926/27) - Chaim Soutine

Natureza-Morta com Pote de Gengibre (1893/94) - Paul Cézanne

Natureza-Morta, Ramo de Dálias e Livro Branco (1923) - Henri Matisse

O Retrato (1935) - René Magritte

Ramo de Girassóis (1881) - Claude Monet

Tabuleiro de Chadrez, Copo e Prato (1917) - Juan Gris

Still life is a genre of the visual arts that is defined by the representation of inanimate objects. Throughout the history of painting, have mushroomed a variety of types of still life types, according to the chosen objects, who are as varied as hunting trophies, vases of flowers, household items, breakfast tables, etc.. One of the most important sub-genres of still life is the Vanitas, which is defined by the theme of mortality, integrating objects such as skulls, clocks and rotten fruits.The first still lifes known date back to ancient Greece, where several objects and food were painted inside tombs for use in the afterlife. In the centuries that followed, it can be said that the still-life did not exist as an independent genre and the representation of objects was always inserted in a religious context. It was in the sixteenth century that this type of painting began to gain a great importance and popularity. The interest tof the time for the natural world and scientific research has made natural objects began to be appreciated for their aesthetic value, regardless of religious symbolism.Despite the popularity and development of still life in this period, it continued to be, however, considered a lesser genre. The themes most valued at the time were historical, mythological or religious scenes.From the late nineteenth century, with the emergence of Impressionism and the paradigm shift that marked the turn of the twentieth century, the portrayed topic tends to be less important than the way the artist chooses to portray it. In this context, the still life has gained a new vitality as an ideal vehicle for experimenting with color, form, light, composition, perspective and so on.

"The Presence of Things - Still Life in Europe"

It is in this historic period that the exhibition "The Presence of Things', evident in the Gulbenkian Foundation, until January 8, 2012, is focused. Featuring a selection of paintings that includes works by some of the most important artists of the avant-garde of the late nineteenth and the first half of the twentieth century, such as Cezanne, Van Gogh, Picasso, Dali, Matisse, Magritte, etc.. This exhibition proposes, through the genre of still life, a journey through the explorations undertaken by the avant-garde artists who, as the first decades of the twentieth century progressed, ran towards less figurative experiences, encouraging reflection about the place and nature of the representation of things in the art of the twentieth century.

One of the most important factors for the release of the painting of their duty to come as close as possible of the physical reality and the resulting paradigm shift was the emergence of techniques of mechanical reproduction of reality, photography and film. "The Presence of Things' has a space for these two arts, with some photographs of still lifes, as well as three short films based on the modernist use of cinematic techniques to give life to inanimate objects.The works in the exhibition go to the mid-50s of the twentieth century, when the death of Calouste Gulbenkian and the works are not chronologically organized but by themes "that explore the diversity of representation of 'things'."

BIN JIP (2004) - Ki-duk Kim

2011-11-25T11:19:00.002Z

Bin Jip, Ferro 3 em Português, conta-nos a história de um jovem rapaz solitário que invade a casa de pessoas quando estas não estão. Para além de usar as casas alheias, arranja pequenas coisas que se encontram avariadas e trata da roupa suja dos proprietários, demonstrando uma ética pessoal que nos impede de condenar o seu acto que, de resto, percebemos ser uma táctica de sobrevivência de alguém que se desligou da sociedade. Um dia, numa das casas que pensa estar vazia, encontra uma jovem mulher que se encontra presa num casamento violento. Entendem-se. Ela parte com ele. Apaixonam-se e, apesar da violência do mundo exterior que ameaçam separá-los, conseguem finalmente estar juntos.

Esta história de amor é, ao mesmo tempo, simples e bizarra e tudo isto se passa sem que os dois protagonistas pronunciem uma única palavra. Esta opção pelo silêncio, um silêncio carregado de sentidos é, aliás, uma das marcas de Ki-Duk Kim, presente em filmes como Primavera, Verão,Outono, Inverno, Primavera (2003) ou A Ilha (2000). Em Bin Jip, o par romântico do filme não fala, nem sequer um com o outro. O entendimento e o amor que se desenvolve entre os dois dá-se através de olhares, gestos e atitudes como se comunicassem num plano superior que “os outros” não compreendem nem poderiam compreender, como se tivessem poderes telepáticos que só funcionam entre eles os dois, seres etéreos. A reacção dos restantes personagens ao inabalável silêncio de ambos é de incompreensão e, frequentemente, de violência.

O facto de se manterem silenciosos sob todas as circunstâncias sem qualquer esforço de comunicação, nem sequer quando são interrogados pela polícia, faz com que estes dois personagens tenham um carácter fantasmagórico. Eles são seres à parte que passam pelo mundo como vapor. Entram nas casas das pessoas e alteram pequenas coisas mas quase não deixam rasto. Pensaríamos, mesmo, que estas duas personagens não são reais, não fossem as consequências das suas acções, nem sempre benéficas, e a reacção dos “outros” a eles. Não lhes percebemos qualquer paixão ou desejo, a não ser um pelo outro. Ela vivia já uma vida resignada à violência doméstica, como se fosse um corpo de cartão. Ele vagueava sozinho conseguindo subsistir através do seu método rigoroso. E é, precisamente, a paixão um pelo outro que os faz descurar os mecanismos de defesa que mantinham até então, tornando-os vulneráveis a agressões exteriores mas, dando-lhes esperança e fazendo-os renascer.

Bin Jip é uma experiência única e comovente, filmado com grande sensibilidade e subtileza e é um excelente exemplo do cinema oriental, que se tem assumido, nos últimos anos, como um dos mais interessantes e vivos da actualidade. Apesar de não ser reconhecido na sua terra natal, a Coreia do Sul, o trabalho de Ki-Duk Kim tem vindo a receber reacções entusiásticas nos festivais internacionais, tendo recebido dois prémios de melhor realizador em 2004 por Samaria e Bin Jip nos festivais de Berlim e de Veneza, respectivamente.

Bin Jip

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Bin Jip, 3-Iron in English, tells the story of a lonely young man who breaks into the house of people when they are not there. In addition to using other people's houses, he fixes little things that are broken and does their dirty laundry, showing a personal ethic that prevents us from condemning his act, perceive to be a survival tactic of someone who is cut off from society. One day, in one of the "empty" houses he finds a young woman who is trapped in a violent marriage. They understand each other. She leaves with him.They fall in love and, despite the violence of the outside world that threaten to separate them, can finally be together.This love story is at the same time simple and bizarre and it all goes by without the two main characters say a single word. This option for silence, a silence full of meaning, is one of the hallmarks of Kim Ki-Duk, present in films such as Spring, Summer, Fall, Winter, Spring (2003) or The Isle (2000). In Bin Jip, the romantic couple does not talk, not even with each other. The understanding and love that develops between the two takes place by looks, gestures and attitudes as they communicate on a higher plane, one that "others" could not understand or comprehend, as if they had telepathic powers that only work between the two of them, ethereal beings. The reaction of the remaining characters to the unshakeable silence of both is of incomprehension and is often violent.

The fact that they keep silent under all circumstances without any effort to communicate, even when they are questioned by the police, makes these two characters have a ghostly character. They are the beings that pass through the world as vapor. They enter people's homes and change small things, but leave almost no trace. We would think, even, that these two characters are not real, were not the consequences of their actions, not always beneficial, and the reaction of "other" to them. We do not perceive any passion or desire, but to each other. She has lived a life resigned to domestic violence, like a card body. He wandered alone managing to survive through its rigorous method. And it is precisely the passion for each other that makes them neglect the defense mechanisms that held them so far, making them vulnerable to external aggression, but giving them hope and making them reborn.Bin Jip is a unique and moving experience, shot with great sensitivity and subtlety and is an excellent example of eastern film, which has become, in recent years, one of the most interesting and alive today. Although not recognized in his native South Korea, the work of Kim Ki-Duk has received enthusiastic reactions in international festivals and received two awards for best director in 2004 for Samaria and Bin Jip at Berlin and Venice festivals, respectively.

Sedmikrásky (Daisies) - 1966 (Věra Chytilová)

2011-10-13T16:38:00.001+01:00

Na primeira cena de Daisies, as protagonistas chegam a uma conclusão: o mundo está “estragado” e, por isso, elas podem portar-se mal. Este primeiro diálogo é o mote para tudo o que se passa a seguir, a justificação para as acções que Marie I e Marie II levam a cabo. Com uma postura de meninas mimadas, as duas jovens protagonistas de Daisies exprimem, com a sua rebeldia e non-sense, sempre num tom de travessura, um certo desespero e revolta contra as regras sociais estabelecidas que regem um mundo, ele próprio, desesperado e sem sentido.

O filme é enquadrado, no início e no final, por imagens de guerra explosões que dão, desde logo, uma dimensão politica às acções das personagens (que seduzem homens mais velhos levando-os a pagarem-lhes faustosas refeições e, depois, mandando-os embora; ateiam fogo ao seu próprio quarto; e agem como loucas na rua, entre outras maluquices sem sentido aparente). Daisies acaba por ser uma divertida paródia a certas noções, como a noção trabalho e de amor, que estão na base da organização da sociedade e, ainda, à imagem e ao papel da mulher numa sociedade que constrange a expressão individual.

A nível estético, a utilização de técnicas experimentais (alternância entre preto e branco, cor e tintado; colagem de planos que mudam bruscamente o local da acção, entre outros efeitos) está de acordo com a intenção de desconstrução do “real” e de desafio à reflexão e à procura de novos significados e associações.

Daisies enquadra-se na Nova Vaga Checa que existiu como resposta ao regime comunista e da qual o nome mais sonante é Milos Forman que acabou por imigrar para os EUA. Ao contrário de Forman, Vera Chytilova decidiu manter-se na República Checa, onde enfrentou algumas dificuldades devido ao carácter subversivo dos seus trabalhos. Ao longo da sua carreira realizou cerca de 29 filmes, entre os quais se encontram várias curtas-metragens e alguns documentários.

Mais informação aqui e aqui.

Filme na integra, no youtube, com legendas em Inglês.

In the first scene of Daisies the protagonists come to one conclusion: the world is spoiled and therefore, they may spoiled too. This first dialogue is the pretext for all that happens then, the justification for the actions that Marie I and Marie II carrie out. With an attitude of spoiled girls, the two young protagonists of Daisies express, with their non-sense, always in a tone of mischief, a certain desperation and rebellion against established social rules that govern a world, himself, desperate and meaningless.
The film is framed, at the beginning and end, by images of war explosions that give first and foremost a political dimension to the actions of the characters (who seduce older men, leading them to pay them sumptuous meals, and then sending them them away, burn their own room, and act like crazy on the street, among other crazy things with no apparent sense). Daisies turns out to be a fun parody of certain concepts, such as the notion of work and love, which underlie the organization of society and also to the image and role of women in a society that constrains individual expression.
The aesthetic level, the use of experimental techniques (alternating between black and white, color and ink, collage plans that suddenly change the site of action, among other effects) is consistent with the intent of deconstructing the "real" and challenge reflection and the search for new meanings and associations.
Daisies is part of the Czech New Wave that existed in response to the communist regime and from which the most known name is Milos Forman which eventually immigrated to the U.S.. Unlike Forman, Vera Chytilova decided to stay in the Czech Republic, where she faced some difficulties due to the subversive nature of her work. Throughout her career Chytilova made some 29 films, among which are several short films and some documentaries

The Birthday Party - Nick The Stripper

2011-08-30T02:10:00.000+01:00

Yûkoku (1966) - Yukio Mishima

2011-08-27T13:50:00.003+01:00

Yûkoku (Rito de Amor e de Morte em Português do Brasil) é uma curta-metragem realizada pelo reputado escritor Yukio Mishima e por Domoto Masaki. Realizado quatro anos antes do suicídio de Mishima, Yûkoku reflecte a história de um tenente do exército japonês, Shinji Takeyama, e da sua mulher, Reiko.

Mishima é fascinado pela morte e pelo samurai. No filme, esta fascinação é-nos demonstrada quando Shinji, representado pelo próprio Mishima, comete seppuku, ou harakiri, o suicídio ritual dos samurais. Mishima acabaria por se suicidar desta mesma forma. Em Yûkoku são tratados os temas da morte, violência e política, recorrentes em Mishima.

Links: Torrent

Rapidshare

Yûkoku (Patriotism in English) is a short film made by the renowned writer Yukio Mishima and Domoto Masaki. Written four years before the suicide of Mishima, Yûkoku reflects the story of a Japanese army lieutenant, Shinji Takeyama, and his wife, Reiko.

Mishima is fascinated by death and samurai. In the film, this fascination is shown when Shinji, played by Mishima itself, commits seppuku or harakiri, the samurai ritual suicide. Mishima eventually commit suicide this same way. In Yûkoku we can see the themes of death, violence and politics, recurrent in Mishima’s work.

Links: Torrent

Rapidshare

motorama - Ship

2011-08-27T12:05:00.004+01:00

LA STRADA (1954) - Federico Fellini

2011-08-07T15:40:00.001+01:00

La Strada acompanha a jornada de Gelsomina desde que, vendida pela sua mãe, é forçada a partir com Zampanó (Anthony Quinn) para uma vida de artista itinerante. O filme segue a protagonista através de uma sucessão de episódios que põem à prova a sua inocência e boa vontade, à medida que desenvolve sentimentos em relação a Zampanó que são retribuídos com brutalidade e indiferença.

Um dos elementos mais marcantes em La Strada é a expressividade com que Giulietta Masina, mulher de Fellini, interpreta a inesquecível Gelsomina. Essa expressividade, que faz lembrar as representações do cinema mudo (principalmente Chaplin) centra-se, sobretudo, no rosto de Masina e é através desse rosto que sobressai toda a palete das emoções humanas que o filme aborda nos vários momentos.

Em La Strada, Fellini aproveita a actividade de saltimbancos dos seus personagens para traçar um retrato de Itália no pós Segunda Guerra Mundial. Este filme marca uma transição na obra de Fellini entre o rígido compromisso social do cinema neo-realista e uma maior ligação à fantasia e ao sonho. O tom do filme é poético e melancólico, pontuado por momentos de delicioso humor.

La Strada follows the journey of Gelsomina since, sold by her mother, is forced to leave with Zampano (Anthony Quinn) to an itinerant life as an artist. The film follows the protagonist through a succession of episodes that will test her innocence and good will, as she develops feelings for Zampano that are rewarded with brutality and indifference.
One of the most striking elements in La Strada is the expressiveness that Giulietta Masina, Fellini's wife, gives to the unforgettable Gelsomina. This expressiveness, which resembles the performances of the silent film (especially Chaplin) focuses mainly on the face of Masina and it is through this face that stands out the entire palette of human emotions that the film touches on several occasions.
In La Strada, Fellini takes the activity of travelers of his characters to draw a portrait of Italy's post World War II. This film marks a transition in Fellini's work between the neo-realist rigid social compromise and a greater connection to fantasy and dream. The film's tone is poetic and melancholic, punctuated by moments of delightful humor.

MARINA ABRAMOVIC E ULAY

2011-08-05T22:00:00.000+01:00

Em 1976, Marina Abramovic e Ulay (Uwe Laysiepen), dois artistas reconhecidos pelo seu trabalho na área da performance e da body art, conheceram-se e iniciaram uma colaboração artística. O termo body art tem origem nos anos 60 do século XX para designar uma categoria da arte da performance em que a matéria-prima utilizada é o corpo, geralmente do próprio artista.

Ao longo desta colaboração, Marina Abramovic e Ulay viveram juntos, designando-se a si próprios como um “corpo com duas cabeças”, e criaram uma série de performances, como Relation in Time, Expanding in Space, Imponderabilia e AAA AAA, que exploram os limites do corpo e a sua relação com o espaço, temas que vinham já a desenvolver nos seus trabalhos individuais.

O fim desta relação pessoal e artística foi assinalado com uma última performance, denominada The Lovers. Em Julho de 1988, cada um deles partiu, a pé, de um dos extremos da grande muralha da china, percorrendo mais de 2000 km em 90 dias, e encontraram-se no meio para se despedirem um do outro.

In 1976, Marina Abramovic and Ulay (Uwe Laysiepen), two artists known for their work in the area of performance and body art, met and began an artistic collaboration. The term body art origins in the 60´s to designate a category of performance art in which the raw material used is the body, usually the body of the artist himself.
Through this collaboration, Marina Abramovic and Ulay lived together, designating themselves as "a body with two heads," and created a series of performances such as Relation in Time, iExpanding in Space, Imponderabilia ans AAA AAA, which exploit the limits of the body and its relation to space, topics that both were already developing in their individual work.
The ending of this personal and artistic relationship was marked with a last performance, called The Lovers. In July 1988, each of them went on foot from one end of the Great Wall of China, covering more than 2000 km in 90 days, and met in the middle to say goodbye to each other.

SCOUT NIBLETT

2011-08-01T12:48:00.001+01:00

Scout Niblett, nascida em 1973 em Inglaterra, é uma cantora/compositora actualmente a viver nos EUA dona de uma voz, simultaneamente doce, melancólica e cortante. Uma das características que se destacam mais na sua música é o estilo minimalista, sendo que a sua voz é, normalmente, acompanhada apenas por guitarra e bateria. Para além de cantar é ela própria que, muitas vezes, toca os instrumentos que a acompanham.

Assumindo influências do grunge (especialmente Sonic Youth, Mudhoney e Nirvana), as suas composições combinam momentos quase infantis com uma energia frenética, esquizofrénica mesmo, resultando num estilo muito próprio.

Entre 2001 e 2010, Scout Niblett lançou cinco álbuns, entre os quais I Am (2003) e Kidnapped by Neptune (2005) com a colaboração de Steve Albini (que foi, também, produtor de bandas como Nirvana, Peaches e P.J. Harvey), e tornou-se conhecida pelos seus concertos intimistas.

Scout Niblett, born in 1973 in England, is a singer/songwriter currently living in the U.S. owner of a voice both sweet, melancholic and sharp. One of the features that stand out most in her music style is its minimalism, her voice is usually accompanied only by guitar and drums. In addition to singing she herself often plays the instruments that accompany it.

Taking influences from grunge (especially Sonic Youth, Mudhoney and Nirvana), Scout Niblett's compositions combine almost childlike moments with a frenetic energy, even schizophrenic, resulting in a very unique style.

Between 2001 and 2010, Scout Niblett released five albums, including I Am (2003) and Kidnapped by Neptune (2005) in collaboration with Steve Albini (who was also the producer of bands like Nirvana, Peaches and PJ Harvey) and became known for her intimate concerts.

Blonde Redhead - Falling Man

2011-07-30T20:08:00.000+01:00

Francesca Woodman

2011-07-04T11:12:00.004+01:00

Francesca Woodman é uma fotógrafa conhecida pelos seus auto-retratos. Todos os seus trabalhos foram realizados num período de apenas alguns anos, entre 1972 e 1981, quando se suicidou, com 22 anos. Foi, apenas, após a sua morte que esta fotógrafa se tornou conhecida, atingindo um estatuto de culto.

As suas fotografias constituem-se, maioritariamente, de auto-retratos nos quais através da utilização de longas exposições, cria imagens surrealistas. Os cenários das suas fotografias são, frequentemente, salas de casas velhas, com paredes descascadas, espaços vazios nos quais se encena a si própria. Estes espaços remetem para o local onde Francesca cresceu com os seus pais, ambos artistas, numa velha quinta no Colorado.

O auto-retrato existe há séculos na arte. Na pintura, uma dos primeiros a distinguir-se pelos seus auto-retratos foi Albrecht Durer, a partir do final do século XV. Rembrandt e Van Gogh pintaram, também, auto-retratos que se tornaram famosos. Outros artistas, como Frida Kahlo, fizeram do auto-retrato uma parte significativa do seu trabalho. Na fotografia, foram muitos fotógrafos que viraram a câmara na para si próprios e para a sua vida, sobretudo a partir da segunda metade do século XX. Alguns nomes importantes nessa área foram, por exemplo, Larry Clark e Nan Goldin, que fotografaram o seu círculo de amigos, construindo um retrato de uma cultura da qual participavam e que estaria, de outro modo, vedado aos olhos de estranhos. Num outro registo, destaca-se Cindy Sherman que, através dos seus auto-retratos nos quais encarna certos estereótipos femininos, questiona o papel da mulher na sociedade.

Os auto-retratos de Francesca Woodman não pretendem nenhuma contextualização com o meio social envolvente. Pelo contrário, exprimem um mundo interior solitário através da representação do corpo. Com as suas fotografias, temos acesso a um imaginário pessoal e a um processo de busca individual.

Francesca Woodman is a photographer known for her self-portraits. All her works were performed over a period of just a few years, between 1972 and 1981, when she committed suicide at age 22. It was only after her death that this photographer was known, and reached a cult status.
Yer photos are mostly self-portraits in which, through the use of long exposures, she creates surreal images. The scenarios of the photographs are often rooms of old houses with peeling walls, empty spaces in which she enacts herself. These are similar to where Francesca grew up with her parents, both artists, in an old farm in Colorado.
The self-portrait has been around for centuries in art. In painting, one of the first to distinguish himself by their self-portraits was Albrecht Durer, from the late fifteenth century. Rembrandt and Van Ghog also painted self-portraits that have become famous. To other artists such as Frida Kahlo it was a significant part of their work. In photography, many photographers turned the camera on themselves and their lives, especially in the second half of the twentieth century. Some big names in this area were, for example, Larry Clark and Nan Goldin, who photographed her circle of friends, building a portrait of a culture on wich they participated and that would, otherwise, be prohibited to the eyes of strangers. In another record, there is Cindy Sherman who,through her self-portraits, in which she embodies certain female stereotypes, questions the role of women in society.
The self-portraits of Francesca Woodman did not want any context with the wider social environment. Rather, they express a solitary inner world through the representation of the body. With her photos, we have access to a personal imaginary and an individual searching process.

Entr’acte (1924) – René Clair

2011-06-28T14:03:00.002+01:00

Concebido para ser exibido no intervalo de um bailado, a curta-metragem Entr’acte é um bom exemplo da experimentação modernista no cinema. Contando com a colaboração de artistas ligados ao dadaísmo e ao surrealismo, são visíveis neste filme as influências destes movimentos.

Abandonando qualquer lógica narrativa, Entr’acte utiliza as mais variadas técnicas (desde o slow motion a sobreposições e ângulos insólitos) para criar uma sucessão de episódios e associações surreais e alucinantes, explorando as potencialidades expressivas específicas do cinema.

Designed to be showed in the intermission of a ballet, the short film Entr'acte is a good example of modernist experimentation in film. With the collaboration of artists connected with Dada and surrealism, the influences of these movements are visible in this film.

Abandoning any narrative logic, Entr'acte uses various techniques (slow motion, unusual angles, etc) to create a succession of surrealistic and mind-blowing episodes and associations, exploring the expressive potential of movies.

La Jetée (1962) – Chris Marker

2011-06-26T15:56:00.002+01:00

La Jetée é um filme constituído, quase totalmente, por fotografias estáticas a preto e branco que, num cenário pós-apocalíptico, contam a “a história de um homem marcado por uma imagem de infância”. A narrativa de la Jetée é relatada por um narrador, cuja ligação aos acontecimentos nunca chegamos a esclarecer e que, para além de contextualizar os acontecimentos, nos fornece um comentário poético e filosófico acerca dos mesmos.

Após o rebentamento de uma terceira Guerra Mundial a população de Paris vê-se obrigada a viver debaixo do solo devido à elevada radiação. Com o intuito de salvar a humanidade, são feitas experiências científicas com viagens no tempo, utilizando os prisioneiros feitos durante a guerra como cobaias. Entre essas cobaias encontra-se o personagem principal que, desta forma, viaja ao passado onde conhece e se apaixona pela mulher cujo rosto o obceca desde criança.

Apesar de as imagens serem estáticas, o dispositivo cinematográfico está bastante presente, através da utilização de movimentos sobre as fotografias, de efeitos de transição entre as imagens, da conjugação entre imagem e som e, sobretudo, da utilização expressiva do ritmo de montagem que chega, por vezes, a transmitir a sensação de movimento.

Com um final circular surpreendente, La Jetée utiliza elementos da ficção científica para reflectir acerca da natureza da memória e da nossa relação com o passado.

O filme, que tem apenas 28 minutos está integralmente disponível no youtube, com legendas em inglês.

La Jetée is a film consisting almost entirely of still photographs in black and white, in a post-apocalyptic setting, it tells "the story of a man marked by an image of childhood". " La Jetée's narrative is told by a narrator, whose connection to the events we never got to clarify, that in addition to contextualize the events, provides a poetic and philosophical comment about them.

After the bursting of a third world war the population of Paris is forced to live underground due to high radiation. In order to save humanity, scientific experiments are done with time travel, using the prisoners taken during the war as guinea pigs. Among these mice is the main character that, in this way, travel into the past where he meets and falls for the woman whose face haunts him since he was a child.

Although the images are static, the cinematic device is very present, through the use of movements on the photographs, transition effects between pictures, the combination of image and sound and, above all, the expressive use of the installation rate reaching, sometimes, to convey the sensation of movement. With an amazing cyclic final, La Jetée uses elements from science fiction to reflect on the nature of memory and our relationship with the past.

"A Fire In My Belly" de David Wojnarowicz

2011-03-20T23:45:00.001Z

"A Fire In My Belly" de David Wojnarowicz

Sans toit ni loi (1985) – Agnès Varda

2011-03-13T11:54:00.002Z

Mona é encontrada morta de frio numa valeta. É este o ponto de partida para uma investigação, sobre os últimos dias desta misteriosa rapariga, que nos é proposta por Sans Toi ni Loi. Esta “reconstituição” é feita através da intercalação de flashbacks e relatos das pessoas com quem Mona se foi cruzando, com sequências narrativas do seu percurso. Em muitos momentos, a câmara, também ela errante, é a única testemunha da decadência solitária de Mona e reconstitui os seus passos para além do que é relatado pelos outros personagens. Mona é uma jovem sem rumo, sem objectivos, que desistiu de tentar integrar-se na sociedade. Antipática, um tanto selvagem, suja. O filme acaba por nos dizer menos sobre a história dela e mais sobre o impacto que tem nas pessoas que contactam consigo, através das formas díspares como a descrevem. Sans Toi ni Loi é um filme de personagens e sobre o significado de liberdade. A maior parte dos actores não são actores. A própria personagem de Mona é baseada numa rapariga real, que Varda conheceu na estrada, e que tem um pequeno papel no filme.

Sans Toi ni Loi ganhou o Leão de Ouro em 1985 e valeu a Sandrinne Bonnaire, a protagonista, na altura com apenas 17 anos, o César de melhor actriz.

Agnès Varda nasceu em 1928, na Bélgica. Estudou História da Arte na Ecole du Louvre e trabalhou como fotógrafa em Paris. Em 1954, decidiu fazer o seu primeiro filme, La Pointe Courte. Apesar de comummente associada à Nouvelle Vague, Agnès Varda pertenceu ao movimento da Rive Gauche, juntamente com Chris Marker, Alain Resnais, Marguerite Duras, etc., que estava ligado ao Nouveau Roman na literatura. Este movimento foi contemporâneo da Nouvelle Vague e os membros de ambos os “grupos” colaboraram muitas vezes. Para além da sua obra cinematográfica, Agnès Varda é, também, conhecida pelos seus trabalhos em fotografia e instalações.

Download (legendado pt-br):

Torrent

Mona is found dead of cold in a ditch. This is the starting point for an investigation on the last days of this mysterious girl, that Sans Toi ni Loi proposes us. This "restoration" is done by merging the flashbacks and stories of those with whom Mona went cruising, with narrative sequences of his pathway. In many moments, the camera, also wandering, is the only witness to the lonely decadence Mona and retraces her steps beyond what is reported by the other characters. Mona is a young drifter, with no goals, which gave up trying to integrate into society. Disagreeable, somewhat wild, dirty. The film ends by telling us less about her story and more about the impact she has on people who have contact with her, through the disparate forms they describe her. Sans Toi ni Loi is a movie about characters and the meaning of freedom. Most actors are not actors. The very character of Mona is based on a real girl, that Varda met on the road, and has a small role in the film. Sans Toi ni Loi won the Golden Lion in 1985 and earned Sandrinne Bonnaire, the protagonist, then only 17 years, the César for best actress. Agnès Varda was born in 1928 in Belgium. she studied art history at Ecole du Louvre and worked as a photographer in Paris. In 1954, Varda decided to make her first film, La Pointe Courte. Although commonly associated with New Wave, Agnès Varda belonged to the movement of the Rive Gauche, with Chris Marker, Alain Resnais, Marguerite Duras, etc.., Which was linked to the Nouveau Roman literature. This movement was contemporary of the Nouvelle Vague and members of both "groups" often collaborated. In addition to her film work, Agnès Varda is also known for her work in photography and installations.

Nick Cave - The Ship Song

2011-03-11T00:20:00.002Z

Schubert, Trio op. 100 - Andante con moto

2011-02-05T21:29:00.000Z

Sonic Youth

2011-02-05T11:09:00.000Z

É no rasto de destruição deixado pelo Punk que nascem os Sonic Youth. Em Nova Iorque, no início dos anos 80, vivia-se na cena musical e artística No Wave e os Sonic Youth estavam no meio do turbilhão. Parte da primeira vaga de bandas de noise rock, desenvolviam-se no meio underground nova-iorquino e espalhavam sementes que duram até aos dias de hoje. Considerados por muitos, como pioneiros do rock alternativo e indie, a banda reuniu inúmeros sucessos ao longo das últimas três décadas.

A história dos Sonic Youth começou quando Thurston Moore se mudou para Nova Iorque e conheceu Lee Ranaldo, um estudante de arte que era membro do Glenn Branca’s Electric Guitar Ensemble. Moore e Kim Gordon tinham formado uma banda, que rapidamente se começou a chamar Sonic Youth e, depois de terem visto Glenn branca a tocar no Noise Fest, convidaram Ranaldo para se juntar a eles. Os Sonic Youth sofreram influências de inúmeros compositores e bandas, entre eles, John Cage e Velvet Underground, assim como Patti Smith, Glenn Branca ou Philip Glass.

Tal como John Cage havia feito com o piano, os Sonic Youth redefiniram o que a guitarra podia fazer. Usando afinações muito pouco ortodoxas e tocando as guitarras com chaves de fendas, baquetas de bateria e outras ferramentas, alteraram o timbre dos instrumentos causando distorções. O primeiro álbum da banda é um mini-LP com menos de 25 minutos, de título homónimo. Neste álbum as guitarras ainda têm afinações normais mas já é representativo do seu carácter experimental e das suas raízes No Wave. No segundo álbum, Confusion is Sex, é já bem visível o estilo dos Sonic Youth, cheio de distorções e dissonâncias que definiria a banda na sua longa carreira. Recorrendo a chaves de fendas presas debaixo das cordas, o som da guitarra faz lembrar por vezes relógios e campainhas. Seguiram-se os álbuns EVOL, Sister, Daydream Nation, sendo que o ultimo é considerado a obra máxima da banda. Para o álbum seguinte, Goo, a banda assinou com a Geffen Records, uma grande editora. Para muitos, este acontecimento foi o ponto de viragem em toda a música dos anos 90, pois permitiu que outras bandas underground como os Nirvana ou os Pearl Jam assinassem também com major labels, levando o punk às massas.

Além deste acontecimento revolucionário, os Sonic Youth marcam também por terem influenciado grande parte das bandas rock que se seguiram. A banda, que até hoje não se separou, continua a dar concertos e a lançar álbuns, sendo os últimos, The Eternal e a banda sonora para o filme Simon Werner a Disparu de Fabrice Gobert.

Discografia Sonic Youth: Torrent

Sonic Youth - The Eternal: Torrent

Sonic Youth - Simon Werner a Disparu: Torrent

It is in the trail of destruction left by Punk Rock that Sonic Youth are born. New York, in the early 80s, lived in the No Wave artistic and music scene and Sonic Youth were in the midst of turmoil. Part of the first wave of noise rock bands, developed in the underground New York and spread seeds that last up to today. Considered by many as the pioneers of alternative rock and indie, the band met many successes over the past three decades.

The story began when Sonic Youth Thurston Moore moved to New York and met Lee Ranaldo, an art student who was a member of Glenn Branca's Electric Guitar Ensemble.Moore and Kim Gordon had formed a band, which quickly began calling Sonic Youth and, after seeing Glenn White to play at Noise Fest, Ranaldo invited to join them. Sonic Youth were influenced countless songwriters and bands, among them John Cage, Velvet Underground, Patti Smith and Glenn Branca and Philip Glass. Like John Cage had done with the piano, Sonic Youth redefined what the guitar could do. Using very unorthodox tunings and playing guitars with screwdrivers, drum sticks, and other tools, Sonic Youth have changed the tone of the instruments causing distortions. The band's first album is a mini-LP under 25 minutes. On this album the guitars are still normal tuning but it is representative of its experimental nature and their No Wave roots. In the second album, Confusion Is Sex, the style of Sonic Youth is already visible , full of distortions and dissonance that would define the band's long career. Using screwdrivers trapped beneath the strings, the guitar sound reminds sometimes watches and bells. This was followed by the album EVOL, Sister, Daydream Nation, and the latter is considered the masterpiece of the band. For the next album, Goo, the band signed with Geffen Records, a major publisher. For many, this event was the turning point in the song of the 90s, because it allowed other underground bands like Nirvana and Pearl Jam to sign with major labels as well, bringing punk to the masses.

In addition to this revolutionary development, Sonic Youth also marked by having influenced much of rock bands that followed. The band, which has not broke up, continues to give concerts and releasing albums, the last, The Eternal and the soundtrack for the movie to Simon Werner Disparu Fabrice Gobert.

Tulsa (1970) de Larry Clark

2011-01-31T18:17:00.000Z

Dead (1970)

Larry Clark

A obra de Larry Clark é considerada uma das mais importantes na fotografia pós-segunda guerra mundial. Nascido em Tulsa, Oklahoma, desde cedo, viveu em contacto com a fotografia, através da sua mãe que era fotógrafa. Estudou fotogafia na Layton School of Art em Milwaukee e foi depois para Nova Yorque até ser obrigado a alistar-se para servir na guerra do Vietname.

Quando voltou do Vietname, Larry Clark regressou á sua cidade natal, Tulsa. È nesta altura, ao longo da década de 60, que tira as fotografias que farão parte de Tulsa, livro publicado em 1971 aclamado pela critica e, ao mesmo tempo, escandalizando por desmistificar a ideia de que o uso de drogas era exclusivo da experiência urbana. O facto de Clark fazer parte do grupo, de ser um “participante no fenómeno”, dá-lhe uma perspectiva única, a de quem toma parte na experiência e não é um mero observador, transmitindo um carácter muito pessoal e autêntico às fotografias. As imagens são-nos apresentadas por ordem cronológica e, ao longo dos anos, assistimos á trajectória, do final da adolescência à idade adulta, de um grupo de jovens constituído por um núcleo de pessoas sempre presentes. Tulsa é um trabalho pioneiro na forma realista como retrata o tema. Larry Clark utiliza imagens explícitas, muitas vezes chocantes para o espectador. O seu trabalho foi criticado pela crueza que é, por vezes, interpretada como explorativa mas, segundo o autor, o seu objectivo é levantar questões de carácter social, colocando lado a lado as acções e as suas consequências. Em ultima análise, a postura que adopta é a do narrador que faz um comentário social e antropológico, baseado na cumplicidade partilhada com as pessoas que retrata e sem a qual seria impossível obter tais resultados.

Larry Clark expõe o objecto da sua “investigação artística” de forma crua e sem preconceitos nem pudor. Tulsa é seguido por Teenage Lust (1983), The Perfect Childhood (1995). Desde os seus primeiros tempos como fotografo, o objectivo de Larry Clark era o cinema. Em 1995, conseguiu finalmente realizar o seu primeiro filme, KIDS que estreou no festival de Sundance, tornando-se um clássico instantâneo. Também no cinema, Larry Clark tem um estilo próprio muito definido, coerente com o seu trabalho na fotografia. Realizou, ainda vários filmes nos últimos anos, como Ken Park, Another Day in Paradise e Bully, que mantêm o mesmo tom e foco que as suas fotografias. O tema que atravessa toda a obra de Clark, sem excepção, de uma forma obsessiva, ao ponto de se poder dizer que toda a sua trajectória se baseia em variações sobre um mesmo assunto, é a juventude e os seus comportamentos de risco numa idade em que a construção da identidade é central.

The work of Larry Clark is considered one of the most important in photography after World War II. Born in Tulsa, Oklahoma, lived in contact with photography through his mother, who was a photographer. Larry Clark studied photography at Layton School of Art in Milwaukee and later goes New York, to be forced to enlist to serve in the Vietnam War.

When he returned from Vietnam, Larry Clark returned to his hometown of Tulsa. It is at this point, over the 60's, he shot the photos that would be part of Tulsa, a book published in 1971 that was critically acclaimed and at the same time, astounded by demystifying the idea that drug use was uniquely a urban experience. The fact that Clark was part of the group, a participant in the phenomenon, gives him a unique perspective, that of those taking part in the experiment and not a mere observer, conveying a very personal character. The images are presented to us in chronological order and, over the years we see the evolution, from late adolescence to adulthood, of a youth group consisting of a core of people always present. Tulsa is a pioneering work because of its realism in portraying the theme. Larry Clark uses graphic images, often shocking to the viewer. His work was criticized by the rawness that is sometimes interpreted as exploitative but, according to the author, its purpose is to raise social questions, placing side by side actions and their consequences. Ultimately, adopting the posture of the narrator that makes a social and anthropological comment, based on the shared complicity with the people it portrays, without which it would be impossible to achieve such results.
Larry Clark exposes the subject of his "artistic research" without prejudice or shame. Tulsa is followed by Teenage Lust (1983), The Perfect Childhood (1995). From his early days as a photographer, Larry Clark's objective was film. In 1995, he finally made his first film, KIDS which premiered at Sundance, becoming an instant classic. Also in the film, Larry Clark has a very definite style of his own, consistent with his work in photography. Also carried out several films in recent years, as Ken Park, Another Day in Paradise and Bully, which keep the same tone and focus of his photos.The theme running through Clark's work, without exception, in an obsessive way, to the point of being able to say that the whole trajectory is based on variations on the same subject, is youth and their risky behaviors at an age that the construction of identity is central.

The Ex & Tom Cora - State of Shock

2011-01-21T12:08:00.000Z

Battles - Atlas

2011-01-19T12:20:00.002Z

Andy Warhol Eats a Hamburger

2011-01-16T11:33:00.003Z

Sonic Youth-Bull in the heather

2011-01-15T22:03:00.001Z

The Graduate (1967)

2010-08-08T23:57:00.013+01:00

Baseado num livro de Charles Webb e realizado por Mike Nichols, valendo-lhe um Óscar, The Graduate é um dos filmes que marcaram o inicio de uma era muito especifica em Hollywood, caracterizada pela influência das novas vagas do cinema e das mudanças, a todos os níveis, que aconteceram ao longo da década de 60 na sociedade ocidental.

O personagem principal em The Graduate foi o papel que tornou famoso Dustin Hoffman, que até a sua imagem começar a aparecer por todo o lado sempre pensou que não era adequado para interpretar Benjamin Braddock, um jovem de uma família abastada que, ao licenciar-se se encontra perdido e sem entusiasmo perante o seu futuro, limitando-se a vaguear, primeiro entre a casa dos seus pais e os seus encontros com Mrs Robinson (uma mulher madura amiga da família, casada e com uma filha) e, depois, observando Elaine Robinson (a tal filha) por quem se apaixona e que persegue até á cidade universitária de Berkeley.

As técnicas de filmagem e montagem utilizadas exprimem perfeitamente a alienação deste icónico personagem perante tudo o que o rodeia, especialmente a alta sociedade da qual os seus pais fazem parte e onde se encontra inserido, mas também toda a cultura juvenil da época. Ao contrário de outros filmes importantes que captam o zeitgeist do final dos anos 60 na América e o desenvolvimento de uma cultura juvenil consciente de si própria, como Easy Rider ou Bonnie and Clyde, o (anti-) herói em The Graduate é um jovem passivo e desajeitado que não tem a intenção de mudar o mundo e cuja aspiração é apenas viver a sua vida de forma genuína dentro de uma sociedade hipócrita.

A banda sonora, constituída por músicas de Simon and Garfunkel tem um papel central no filme desde a primeira cena em que o tema recorrente, The Sound of Silence, acompanha a chegada de Ben á casa dos seus pais. As letras das musicas relacionam-se directamente e de uma forma irónica com a história (“And here's to you, Mrs. Robinson,/ Jesus loves you more than you will know/ Wo wo wo”).

The Graduate é todo ele uma sátira social, especialmente aos valores familiares e académicos que moldam a juventude á imagem de uma sociedade em que os papéis estão definidos desde o inicio do jogo, e fá-lo através de detalhes cheios de significado e de uma história aparentemente simples, mas com camadas de sentido que são acentuadas pelo simbolismo das imagens.

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Legendas em Português (pt)

Based on a novel by Charles Webb and directed by Mike Nichols, earning him an Oscar, The Graduate is one of the films that marked the beginning of a very specific era in Hollywood, characterized by the influence of the new waves in cinema and by of change, at all levels, that occurred during the 60´s in Western society. The main character in The Graduate was the role that made Dustin Hoffman famous, who until his image begin to appear everywhere always thought wasn´t the right person to play Benjamin Braddock, a young man from a wealthy family that, right after graduates, is is lost and with no enthusiasm towards his future, but merely to wander, first between the house of his parents and his encounters with Mrs. Robinson (a mature woman, friend of his parents, married with a daughter) and then observing Elaine Robinson (the daughter), with whom he falls in love, and chasing her to the university of Berkeley. The filming and assembly techniques used express perfectly the alienation of this iconic character with all that surrounds him, especially the high society of which their parents are part, and the whole youth culture of the time. Unlike other major films that capture the zeitgeist of the late '60s in America and the development of a youth culture conscious of itself, like Easy Rider and Bonnie and Clyde, the (anti-) hero in The Graduate is a young and liabilities clumsy that has no intention of changing the world, whose only aspiration is to live his life in a genuine way inside a hypocritical society. The soundtrack, consisting of songs by Simon and Garfunkel has a central role in the film from the first scene in which the recurring theme, The Sound of Silence accompanies the arrival of Ben to the house of his parents. The lyrics of the songs are related directly and in an ironic way with the story ("And here's to you, Mrs. Robinson / Jesus loves you more than you know Will / Wo wo wo). The Graduate isl a social satire, especially portraying family and academic values that shape the youth in the image of a society where roles are defined from the beginning of the game, and make it through full details and a story apparently simple, but with layers of meaning that are marked by the symbolism of the images.

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Die Puppe

2010-05-11T12:13:00.006+01:00

Hans Bellmer, nascido na Alemanha em 1902, tornou-se conhecido no meio surrealista (na década de 30) através das suas fotografias de bonecas em tamanho real.

Inicialmente com a intenção de protestar contra a obsessão nazi pelo corpo, estas séries de fotografias de corpos quase infantis, desconjuntados e “montados” de formas bizarras e sexualmente sugestivas, ganham uma dimensão retorcida que gerou fortes críticas (sobretudo acusações de violência implícita contra a mulher).

Na minha opinião, este é sobretudo um trabalho que tem como objectivo (e resultado) confrontar e perturbar o espectador, desafiando a sua visão do mundo.

Hans Bellmer, born in Germany in 1902, became known in the surrealist world (in the 30s) through his photographs of full size dolls.Initially intending to protest against the Nazi obsession with the body, these series of photographs of almost childish bodies, disjointed and "assembled" in bizarre and sexually suggestive ways, drew sharp criticism (mainly implicit accusations of violence against woman).
In my opinion, this is primarily a work that aims to (and result) confront and disturb the viewer, challenging their worldview.

À Bout de Souffle (1960)

2010-04-11T11:58:00.014+01:00

À Bout de Souffle (“Acossado” em português e “Breathless” em inglês), realizado em 1960, foi a primeira longa-metragem de Jean-Luc Godard (o mestre) e um dos filmes fundadores da revolucionária Nouvelle Vague (juntamente com Quatre Cents Coups de François Truffaut e Hiroshima mon Amour de Alain Resnais). Apesar de valer bem por si só, é importante situar À Bout de Souffle neste contexto, em que um grupo de cineastas franceses se junta para contestar um determinado estado de coisas (o sistema e capitalização extrema dos filmes de Hollywood, a falta de experimentalismo do cinema da altura, etc.), através dos seus filmes e da sua atitude fresca e experimental perante o cinema.

O filme conta uma história relativamente simples que tem lugar em Paris (as ruas e o ambiente da cidade têm um papel central), em que o personagem principal, Michel Poiccard (interpretado por Jean-Paul Belmondo) é um jovem fora da lei que foge da polícia enquanto tem um romance com a americana Paricia Franchini (Jean Seberg) que tenta convencer a partir consigo. A caracterização e atitudes dos personagens, em conjunto com a desconstrução das formas narrativas tradicionais, revelam uma visão do mundo e do cinema que está de acordo com o existencialismo que, na mesma altura, começava a alcançar uma grande projecção cultural. A constante referência, sobretudo a filmes de Hollywood, revela um grande conhecimento da história do cinema que se explica pelo acesso que esta geração de cineastas teve (ao contrário das gerações anteriores em França, devido à guerra) a todo o tipo de filmes que tinham sido feitos até então, e o seu fascínio e atitude critica perante essa mesma história.

À Bout de Souffle é um filme importante principalmente pela forma como subverte todo o tipo de regras do cinema (desconstrução narrativa, jump cuts, quebra da quarta parede, despreocupação com o raccord…) lembrando-nos constantemente que estamos perante um filme, um objecto construído, e questionando-nos acerca da nossa relação com esse mesmo objecto.

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À Bout de Souffle ("Breathless" in English), from 1960, was the first feature film from Jean-Luc Godard (the master) and one of the founders of the revolutionary Nouvelle Vague (along with Quatre Cents Coups by François Truffaut and Hiroshima Mon Amour by Alain Resnais). Despite well assert itself, it is important to situate À Bout de Souffle in this context, when a group of French filmmakers come together to challenge a particular state of affairs (the system and extreme capitalization of Hollywood movies, the lack of experimentalism in film, etc.)., through their films and their attitude towards cinema.The film tells a relatively simple story that takes place in Paris (the city's streets and the environment have a central role), in which the main character, Michel Poiccard (played by Jean-Paul Belmondo) is a young outlaw who escapes from police while having an affair with the american Patricia Franchini (Jean Seberg) whom he tries to convince to go with him. The characterization and attitudes of the characters, along with the deconstruction of traditional narrative forms, reveal a world and film view which is in accordance with the existentialism that, at the same time, began to reach a large cultural projection. The constant reference, particularly to Hollywood films, shows a great knowledge of film history that is explained by the access this generation of filmmakers had (unlike the previous generations in France due to war) to all kinds of films that had been made so far, and their fascination and critical attitude towards this same story.À Bout de Souffle is an important movie, especially for the way it subverts all kinds of rules of cinema (narrative deconstruction, jump cuts, breaking the fourth wall, unconcern with raccord ...) constantly reminding us that we are seeing a film, a built object, and questioning us about our relationship with this same object.

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Nothing

2010-03-29T00:00:00.005+01:00

"Nothing" (Nada) é um filme do realizador Vincenzo Natali de 2003 que trata a história de duas personagens , Andrew e Dave, que vivem cheios de problemas. Um dia quando o mundo lhes está a desabar em cima das cabeças desaparecem para o mundo do nada…

Nada mais a dizer...

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"Nothing" is a film from director Vincenzo Natali, 2003, which tells the story of two characters, Andrew and Dave, who are full of problems. One day when the world is collapsing over their heads, they disappear into the world of nothing ...

Nothing more to say...

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Mary and Max

2010-03-20T10:45:00.001Z

Mary and Max (2009) é um filme em stop motion, de Adam Elliot, sobre uma amizade, construída através da troca de cartas ao longo de dezoito anos, entre uma rapariga de oito anos, que vive na Austrália, e um homem que vive em Nova Iorque. Através das cartas que os personagens trocam entre si, sem nunca se conhecerem pessoalmente, o filme relata-nos episódios das vidas destes de ambos (recheadas de situações bizarras), Mary Daisy Dinkle e Max Jerry Horowitz, que têm em comum, para além de uma obsessão por chocolate e por uma série de televisão chamada nobblets, a sua solidão e dificuldade de adaptação ao mundo. Esta é sobretudo a história de uma profunda amizade entre duas pessoas que, apesar da distância e das diferenças que as separam, encontram uma forma de iluminar a vida um do outro.

Mary and Max é um filme de animação para adultos, que lida com questões profundas de forma sensível e com sentido de humor, ora negro ora adorável mas sempre certeiro. A nível visual, é de destacar a atenção dada aos detalhes da construção dos personagens e dos cenários, bem como a opção do realizador em relação às cores do “mundo” de cada um dos dois protagonistas (tons castanhos para Mary e tons cinzentos para Max) que estão entre os pormenores que contribuem para tornar este filme uma experiencia singular.

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Mary and Max (2009) is a stop motion film, by Adam Elliot, about a friendship built through the exchange of letters in the course of eighteen years, between a girl of eight, who lives in Australia, and a man who lives in New York. Through the letters the characters send to each other, never meeting personally, the film tells us about their lives (filled with bizarre situations), Mary and Max Daisy Dinkle and Jerry Horowitz, who have in common, apart from an obsession with chocolate and with a television series called nobblets, their loneliness and difficulty in adapting to the world. This is mainly the story of a deep friendship between two people who, despite the distance and the differences that separate them, find a way to illuminate the life of each other.
Mary and Max is an animated film for adults that deals with deep issues in a sensitive way and with a sense of humor, sometimes dark, sometimes lovely but always accurate. Visually, it is worth noting the attention paid to construction details of the characters and scenarios, as well as the option of the director in relation to the colors of the "world" of each of the two protagonists (browns to Mary and gray tones to Max ) that are among the details that contribute to make this film a unique experience.

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The Acid House

2010-03-14T17:56:00.006Z

The Acid House (1998) é uma adaptação para filme de um livro de contos com o mesmo nome de Irvine Welsh. A película, realizada por Paul McGuigan, dramatiza três dos contos do livro de Welsh e o próprio escritor fez o argumento.

Os três segmentos são The Granton Star Cause, A Soft Touch e The Acid House. Irvine Welsh é um escritor aclamado e por vezes controverso conhecido principalmente pela sua obra Trainspotting. Para quem já leu livros deste autor ou para quem viu o Trainspotting em filme e gostou, The Acid House é um bom filme para se ver.

P.S.: Espero que o Porno, a sequela do Trainspotting, seja realmente adaptada ao cinema, como alguns boatos dizem.

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The Acid House (1998) is a film adaptation of a book of short stories with the same name by Irvine Welsh. The film, made by Paul McGuigan, dramatizes three stories from the book of Welsh and the writer himself made the argument.

The three segments are The Granton Star Cause, A Soft Touch and The Acid House. Irvine Welsh is an acclaimed and sometimes controversial best known for his work Trainspotting. For those who've read books by this author or who saw the film Trainspotting and liked, The Acid House is a good movie to see.

PS: I hope that Porno, the sequel to Trainspotting, is really going to be turned into a movie, as some rumors say.

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The Velvet Underground & Nico

2010-03-10T19:24:00.001Z

E como não podia deixar de ser, mais cedo ou mais tarde… o álbum da banana, The Velvet Underground & Nico (1967) … Um falhanço comercial que acabou por se tornar num dos álbuns mais influentes da história do rock (nas palavras de Brian Eno, na altura, poucas pessoas o compraram, mas quem o fez acabou por formar bandas que se tornaram famosas).A emblemática capa é assinada por Andy Warhol, o manager da banda e produtor (no sentido financeiro) desta verdadeira obra-prima. Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison e Maureen "Moe" Tucker, com a participação especial de Nico, desafiam as fronteiras entre música popular e de vanguarda, criando um som totalmente diferente do que estava “na moda” no final dos anos 60. O resultado é o “dark side” do movimento hippie, o negativo das bandas “peace and love”. Letras niilistas, inspiradas em autores como Burroughs e Ginsberg, e um som completamente esmagador e hipnotizante.

It had to ...be sooner or later ... the banana album, The Velvet Underground & Nico (1967) ... A commercial flop that turned out to be one of the most influential albums in rock history (in the words of Brian Eno: at the time, few people bought it, but who did it formed bands that became famous).

The iconic cover by Andy Warhol, the band's manager and producer (in the financial sense) of this masterpiece. Lou Reed, John Cale, Sterling Morrison and Maureen "Moe" Tucker, with the special participation of Nico, challenge the boundaries between popular music and avant-garde, creating a completely different sound from what was fashionable in the late 60's.The result is the "dark side" of the hippie movement, the negative of "peace and love" bands. Nihilistic lyrics, inspired by writers like Burroughs and Ginsberg, and a completely overwhelming and mesmerizing sound.

Suicídio Encomendado

2010-03-06T12:18:00.007Z

“Imagine-se em casa… O telefone toca, tentam-lhe vender alguma coisa, são os chatos do costume… Só que desta vez, vendem-lhe um suicídio, o seu suicídio encomendado. Foi o que aconteceu a Luís Tinoco, um jovem com cerca de trinta anos e que já tinha pensado em morrer. Trata-se de uma personagem carismática, com uma infância bizarra e que actualmente não consegue viver feliz. Tinoco compra o seu próprio suicídio, preparado e elaborado de forma condizente com o motivo pelo qual deseja morrer: Amor. “

Suicídio Encomendado é uma comédia muito negra, bizarra, que nos faz rir de desconforto. A sinopse acima demonstra a essência de um bom filme português, do realizador Artur Serra Araújo. É pena que filmes portugueses com esta qualidade não sejam tão difundidos como outros que ...enfim. Os meios para este filme podem não ser os mesmos que as “grandes produções” portuguesas têm e o elenco pode não ser o melhor que Portugal tem para oferecer mas esta longa vale por si. Viva o Tinoco!

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"Imagine yourself at home ... The phone rings, trying to sell you something, the usual boring ... Only this time, they sell you a suicide, your own suicide. That's what happened to Luis Tinoco, a young man about thirty years who had a thought about dying. This is a charismatic character with a bizarre childhood and now can not live happily. Tinoco purchase his own suicide, prepared and designed in a way consistent with the reason he wants to die: Love. "

Suicidio Encomendado is a very black comedy, bizarre, which makes us laugh at discomfort.The synopsis above shows the essence of a good Portuguese film, directed by Artur Serra Araújo. It is unfortunate that Portuguese films with this quality are not as widespread as others that ... well. The means for this movie may not be the same as the "great products" have a date with the cast may not be the best that Portugal has to offer, but this long valley itself. Viva Tinoco!

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The United States of America

2010-03-01T20:59:00.008Z

Formados em 1967 por Joseph Bird, juntamente com Dorothy Moskowitz (vocalista principal), Gordon Marron, Rand Forbes e Craig Woodson, os United States of America são uma banda de rock psicadélico de Los Angeles, pioneira da electrónica no rock. O seu único álbum (The United States of America) foi lançado em 1968 e reeditado em 2004 com várias músicas de bónus. Os aspectos mais curiosos desta banda são o facto de não terem um guitarrista e de utilizarem bastantes sons e técnicas electrónicas, apesar das limitações da época neste campo. O seu som é bastante experimental e ao mesmo tempo com uma sensibilidade pop certeira, alternando músicas calmas e oníricas com outras mais frenéticas e pesadas, fazendo por vezes lembrar os seus contemporâneos Jefferson Airplane. As letras do álbum têm uma dimensão satírica de crítica política e social, assim como o nome da banda que foi escolhido em tom de protesto.

“Contagiante” é um bom adjectivo para descrever esta colecção de músicas belíssimas que ficam a ecoar na cabeça como um sonho do qual não se quer acordar.

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Formed in 1967 by Joseph Bird, along with Dorothy Moskowitz (lead singer), Gordon Marron, Rand Forbes and Craig Woodson, the United States of America are a psychedelic rock band from Los Angeles, and a pioneer of electronic rock. Their only album (The United States of America) was launched in 1968 and reissued in 2004 with several bonus tracks. The most interesting aspects of this band are the fact of not having a guitar and use plenty of electronic sounds and techniques, despite the limitations of the time in this field. Their sound is very experimental and at the same time with an unerring pop sensibility, alternating calm and dreamy music with other more frantic and heavy, reminding sometimes his contemporaries Jefferson Airplane. The album's lyrics have a dimension of satirical political and social criticism, as well as the band's name that was chosen in a tone of protest."Addictive" is a good adjective to describe this collection of beautiful songs that echoe in our heads like a dream from which you do not want to wake up.

Lost

2010-02-28T10:28:00.005Z

"Previously on Lost…”

Este post vem já um pouco atrasado mas ainda há tempo… Há sempre tempo para falar daquela que para mim (realço o “para mim”) é uma das melhores séries de todos os tempos.
Lost ("Perdidos" em Portugal) é uma série dramática que segue a vida dos sobreviventes de um acidente de avião, o voo 815. No início da série pensámos que o que daria fôlego à acção seria simplesmente o drama da sobrevivência numa ilha (talvez deserta) mas logo no fim do primeiro episódio temos a primeira pista de que a série será muito mais que isso. A evolução das personagens é enorme e só agora começamos a perceber o porquê de muitas coisas….
Lost é uma série que tem que ser vista do início ao fim ou perder-nos-emos na história, e com a frustração de deixar de perceber a história, paramos de ver. Lost é uma série em que cada episódio tem que ser seguido religiosamente, sem perder nenhum episódio e sem pausas para casa de banho durante o episódio. É uma série em que se perdemos um segundo, e esse for o segundo errado, perdemo-nos na ilha e nos acontecimentos. É uma série em que os pormenores que mais passam ao lado se tornam mais importantes.
Começou há cerca de três semanas aquela que será a última temporada…
Todos os Losties (incluindo eu) estão em pulgas para ver o que o último episódio nos revelará. Tantas perguntas, tantos mistérios… Tão poucas respostas…
Esperaremos pelo dia 23 de Maio de 2010 para vermos o que acontece ao Jack, Hurley, Sawyer, Kate, Jin, Sun, Sayid e… Locke (?).

Links:

Wikipédia

Lostpédia

Download dos Episódios (com legendas)

"Previously on Lost ..."

This post comes a bit late now but there is still time ... There's always time to talk about a series that to me (I stress the " to me") is one of the best series of all time.
Lost is a drama series that follows the lives of survivors of a plane crash, flight 815. At the beginning of the series we thought that what would give impetus to the action would be simply the drama of survival on an island (maybe empty) but soon on the first episode we have the first clue that the series will be much more than that. The evolution of characters is huge and only now we are beginning to understand the why of many things ....
Lost is a series that has to be seen from start to finish or we will get lost in the story, and the frustration of failing to perceive the story, we will stop to see it. Lost is a series where each episode has to be followed religiously, without losing any episode and without breaks for bathroom during the episode. It is a series where if we lost a second, and this is the second wrong, we got lost on the island and in the events. It is a series in which the details that go alongside become the most important.
It has began about three weeks ago that which will be the last season ...
All the Losties (including me) are waiting to see what the last episode will reveal. So many questions, so many mysteries ... so few answers ...
We will wait for 23 May 2010 to see what happens to Jack, Hurley, Sawyer, Kate, Jin, Sun, Sayid and ... Locke(?).

Links:

Wikipedia
Lostpedia

Lost Episodes (download)

Maya Deren (1917-61)

2009-10-25T20:29:00.019Z

“The task of cinema or any art form is not to translate hidden messages of the unconscious soul into art but to experiment with the effects contemporary technical devices have on nerves, minds or souls”

Cineasta, teórica do cinema, dançarina, cenógrafa, escritora e fotógrafa, Eleanora Derenkovskaya, nascida no ano de 1917, é uma das figuras mais marcantes do chamado cinema experimental. Formada em jornalismo e ciência política, interessou-se desde cedo pelo cinema, mas realizou o seu primeiro filme, Meshes of the Afternoon, apenas em 1943 em conjunto com o seu segundo marido, Alexander Hammid. Nos anos posteriores, Maya Deren desenvolveu diversos trabalhos, quase sempre em formato de curta-metragem, como At Land (1944) e Ritual in Transfigures Times (1946), tendo como marca própria a exploração das possibilidades da montagem na percepção do tempo e do movimento, bem como uma atmosfera ritualista e onírica.

Para além da influência estilística que os seus filmes tiveram ao longo da história do cinema (David Lynch é um exemplo), marcaram também pelo carácter independente, que punha em prática a sua posição teórica em relação ao monopólio de Hollywood (“I make my pictures for what Hollywood spends on lipstick” Maya Deren), que considerava como uma ameaça ao carácter artístico do cinema. Maya Deren escrevia, realizava, representava, editava e distribuía os seus prórpios filmes, promovendo-os através de palestras nos Estados Unidos, Canadá e Cuba, tornando-se numa figura incontornável no cinema enquanto expressão artística .

Filmografia:

Meshes of the afternoon (1943)

At Land (1944)

A Study in Choreography for Camera (1945)

Ritual in Transfigured Time (1946)

The Private Life of a Cat (1947)

Meditation on Violence (1948)

The very Eye of Night (1952-55)
Divine Horsemen: The Living Gods of Haiti

Link para Download:

http://thepiratebay.org/torrent/3413099/Maya_Deren_-_All_films_by_Maya_Deren

(A maioria destes filmes são faceis de encontrar em sites como o youtube)

"The task of cinema or any art form is not to translate hidden messages of the unconscious soul into art but to experiment with the effects contemporary technical devices have on nerves, minds or souls"
Filmmaker, film theory, dancer, set designer, writer and photographer, Eleanora Derenkovskaya, born in 1917, is one of the most remarkable of the so-called experimental films. With a degree in journalism and political science, she became interested in early cinema, but directed her first film, Meshes of the Afternoon, only in 1943 together with her second husband, Alexander Hammid. In later years Maya Deren developed a number of work, almost always in short films as At Land (1944) and Ritual in Transfigure Times (1946), allways exploring the possibilities of editing, manipulating the perception of time and movement, as well as a ritualistic and dreamlike atmosphere. In addition to the stylistic influence that her movies have had over the history of cinema (David Lynch is one example), they are also marked by the independent character, putting into practice Deren´s theoretical position relatively to the monopoly of Hollywood ( "I make my pictures for what Hollywood Spends on lipstick "Maya Deren), that she considered a threat to the artistic nature of cinema. Maya Deren wrote, performed, edited and distributed her own films, promoting them through lectures in the United States, Canada and Cuba, and became an inescapable figure in the film as artistic expression

The Vaselines

2009-09-21T18:23:00.003+01:00

“Most favorite songwriters in the world.”- assim se referia Kurt cobain dos The Vaselines, uma banda escocesa de que era grande fã e da qual os nirvana acabaram por fazer três covers: Son of a Gun, Molly´s Lips (inseridas em Incesticide), e Jesus wants me for a sunbeam (que faz parte do MTV Unplugged, com um nome ligeiramente diferente). Esta ligação com os Nirvana, acabou por dar a conhecer ao mundo uma banda que, sem essa ajuda talvez nunca tivesse sido descoberta (ou, pelo menos, demoraria um pouco mais a sê-lo) mas que, mesmo assim, permanece, lamentavelmente, um pouco esquecida.

Os Vaselines foram criados em Edimburgo no ano de 1987 por Eugene Kelly e Frances McKee, aos quais mais tarde se juntaram Charles Kelly na bateria e James Seenan no baixo. Tendo lançado apenas dois EPs, no final dos anos 80, e um álbum, em 1990, chamado Dum Dum têm, portanto, um repertório pouco extenso que se encontra reunido no recentemente lançado Enter The Vaselines. Son of a Gun foi o seu primeiro single e as suas musicas caracterizam-se por letras de temática sexual, cantadas por vozes doces e, muitas vezes, sobre um fundo de guitarras barulhentas, sendo notória a influência dos Velvet Underground

Os The Vaselines acabaram na semana em que foi lançado o álbum de estreia, apenas quatro anos após a sua formação. Com o final do projecto, Eugene Kelly e Frances McKee, cada um por seu lado, acabaram por seguir carreiras musicais em outras bandas e a solo.

Em 2006, os dois membros fundadores do grupo, juntaram-se pela primeira vez em quase 20 anos numa digressão conjunta para promover os respectivos álbuns a solo, voltando a juntar-se já em 2008 para alguns concertos. A reedição do seu trabalho, no duplo Enter the Vaselines, é uma boa oportunidade para descobrir uma daquelas bandas...que vale a pena ouvir.

("Most favorite songwriters in the world." - That was said by Kurt Cobain about The Vaselines, a Scottish band whom he was big fan, and Nirvana had eventually covered three of their songs: Son of a Gun, Molly's Lips (inserted in Incesticide), and Jesus wants me for a sunbeam (which is part of MTV Unplugged, with a slightly different name). This link with the Nirvana eventually gave to the world a band that, without such help might never have been discovered (or at least take a little longer to be) but that still remains, unfortunately, a little forgotten.
The Vaselines were established in Edinburgh in 1987 by Eugene Kelly and Frances McKee, which later joined Charles Kelly on drums and Charly James on bass. With only two EPs in the late 80's and one album in 1990 called Dum Dum therefore have a small repertoire that is assembled in the recently released Enter The Vaselines. Son of a Gun was the first single and their songs are characterized by sex-themed lyrics, sung by sweet voices and often against a background of loud guitars, and The influence of the Velvet Underground.
The Vaselines ended the week it was released the debut album, just four years after its formation. With the end of the project, Eugene Kelly and Frances McKee, each one in turn, eventually pursue careers in music bands and solo.
In 2006, two founding members of the group gathered for the first time in nearly 20 years on a joint tour to promote their solo albums, returning to join in 2008 for concerts. A reprint of their work, the double Enter the Vaselines, is a good opportunity to discover one of those bands ... it's worth listening to.)